El expresionismo fue uno de los movimientos fundamentales de la historia del cine. Como en otras artes, el expresionismo pretendía poner en primer plano las emociones de los personajes. La visión del mundo del expresionismo es extremadamente subjetiva, emocional y no racional. El inconsciente y sus miedos más ancestrales cobran vida en la obra.
El expresionismo nació en Europa, a principios del siglo XX, y duró hasta finales de los años veinte. Encontró el terreno más fértil para arraigar en Alemania, país en el que reinaba una atmósfera malsana en aquella época, mientras se afirmaba el nazismo. Una atmósfera magistralmente plasmada por una película parcialmente expresionista como M, Una ciudad en busca de un asesino, dirigida por Fritz Lang. En las ciudades alemanas se tiene la impresión de poder encontrarse con el «mal» a la vuelta de la esquina: una sensación de angustia omnipresente.
¿Qué significa expresionismo? El expresionismo, como dice la propia palabra, es lo contrario del impresionismo. Una forma de expresarse que lleva el alma y el sentimiento subjetivo del artista al exterior. Los decorados, las luces y los personajes adoptan formas extremadamente irreales, distorsionadas, alucinantes y grotescas. Las luces son nítidas y contrastadas.
El mundo subjetivo e interior
El mundo objetivo del impresionismo y el racionalismo no existe. La realidad es el espejo del inconsciente del autor de la obra de arte, a menudo de sus miedos profundos. El inconsciente crea la realidad.
En la época contemporánea podemos ver que el éxito del expresionismo fue más allá de los movimientos que creían en la objetividad de la realidad. Todos los movimientos de la nueva era, el crecimiento personal, el coaching vital están relacionados de algún modo con las teorías del expresionismo. Es decir, afirman que la realidad objetiva no existe. Que nosotros mismos creamos el mundo que nos rodea y todos los acontecimientos y condiciones en los que fluye nuestra vida.
Sin embargo, el expresionismo alemán nació en un periodo oscuro. Guerras, hambrunas, racionalidad y positivismo que aplastaban la personalidad del individuo, el ascenso al poder de los regímenes totalitarios. El expresionismo de los años veinte y veinte se asocia con imágenes oscuras, lúgubres y tenebrosas. Sombras inquietantes que se arrastran por las paredes, como en Nosferatu de William Murnau, uno de los principales directores influidos por el cine expresionista.
Los padres teóricos del expresionismo son psicólogos profundos como Freud y Jung, o filósofos del tiempo interior y la conciencia como Henri Bergson. Los exponentes del expresionismo se inspiraron abiertamente en los temas del Romanticismo. Pero aunque rechazaran el simbolismo, es fácil ver las influencias que los símbolos tuvieron en el movimiento.
Expresionismo y pintura
Los pintores simbolistas, con el uso de colores fuertes, formas y figuras dibujadas de forma nítida y a veces violenta, querían expresar su subjetividad como los expresionistas. Pero sus referencias culturales no eran fácilmente comprensibles. Una forma de trabajar que no atraía a los expresionistas, que consideraban demasiado difícil llegar a un público no elitista.
Entre los precursores del movimiento expresionista estaban los pintores Munch, Matisse, Van Gogh. Su expresividad radical del mundo interior les caracterizaba a través de colores violentos, la incisividad del signo y el uso del grabado en madera en desuso.
Entre los pintores de la escuela del Expresionismo Alemán destacamos el uso de la deformación de cuerpos y paisajes, el empleo de líneas afiladas y el rechazo a utilizar la perspectiva para dar realismo a la imagen. Las imágenes son planas y fragmentadas por las líneas. Lo que más les interesa es expresar la desesperación y los sentimientos violentos de los sujetos que representan. Una visión a menudo sombría y pesimista.
Después de la pintura, el Expresionismo abarca todas las artes: de la literatura al teatro, de la música al cine.
Expresionismo y cine
Las películas expresionistas más importantes fueron producidas principalmente por la productora cinematográfica alemana Ufa. Los límites históricos del expresionismo no son precisos, porque otras corrientes afines siguen al expresionismo puro, como el kammerspiel y La nueva objetividad . El movimiento llega al cine sobre todo entre los años 10 y 20 del siglo XX.
Muchos críticos e historiadores coinciden en que El gabinete del Dr. Caligari, de Robert Wiene, es la única película expresionista verdadera. Pero las películas de Murnau, Lang y Pabst también se consideran parcialmente expresionistas. El cine expresionista tiene como característica principal la de distorsionar la realidad en un universo visionario y alucinado con la ayuda de efectos especiales, y sobre todo con la luz y las sombras.
Las historias giran en torno al mundo sobrenatural, al misterio. Están llenas de atmósferas oscuras y malignas con un estilo exasperado y emocionalmente fuerte. Ciudades fantasma o arquitecturas vertiginosas como Metrópolis de Fritz Lang son ejemplos de ello. Escenografías geométricas con esquinas angulosas. Rostros muy maquillados de personajes demoníacos o perseguidos. Escenografías pintadas o reales en las que los personajes se mueven como encerrados en un laberinto.
Cine expresionista: Películas para ver
He aquí una selección esencial de películas del cine expresionista alemán, y más allá, que debes ver absolutamente.
El estudiante de Praga (1913)
«El estudiante de Praga» es una película muda dirigida por Stellan Rye en 1913. Esta película se considera uno de los primeros ejemplos del cine de terror y representa un hito en la historia de la cinematografía.
El argumento de la película es una adaptación de la famosa leyenda de Fausto y cuenta la historia de un joven estudiante, interpretado por Paul Wegener, que hace un pacto con el diablo para obtener una versión más perfecta y encantadora de sí mismo. Esta película es conocida por sus innovadoras técnicas de cámara y por ser uno de los primeros ejemplos de utilización de efectos especiales para crear la ilusión de la doble exposición y la duplicación del personaje principal.
«El estudiante de Praga» fue una importante contribución al cine expresionista alemán y es conocida por su atmósfera gótica y su estilo visualmente impactante. Esta película ha influido en muchos directores y se considera un clásico del cine de terror y del cine de autor.
Obras de cera (1924)
«Obras de cera» («Das Wachsfigurenkabinett» en alemán) es una película muda dirigida por Paul Leni en 1924. Es un ejemplo temprano del cine de terror y fantástico alemán.
La trama de la película consiste en varias historias separadas, cada una basada en un personaje de una figura de cera de un museo de cera. Las historias están conectadas por un hilo narrativo común que implica al propietario del museo y a su ayudante. La película presenta atmósferas góticas y una serie de escenas de terror y extrañas.
«Waxworks» es conocida por su estilo visualmente impactante y sus espeluznantes representaciones. El director Paul Leni fue un pionero en el género del cine de terror y contribuyó a definir algunas de sus convenciones. Esta película se considera una importante contribución a la historia del cine fantástico y de terror.
El Golem (1920)
«El Golem» («Der Golem» en alemán) es una película muda dirigida por Paul Wegener y Carl Boese en 1920. Es un clásico del cine expresionista alemán y es conocida por su contribución al género de terror.
La trama de la película se inspira en el folclore judío y gira en torno a la creación de un monstruo de arcilla, el Golem, por un rabino de la Praga medieval. Creado inicialmente para proteger a la comunidad judía, el Golem acaba convirtiéndose en una fuerza destructiva cuando se descontrola. La película explora temas como el poder, la responsabilidad y las consecuencias de jugar con fuerzas que escapan al propio control.
«El Golem» es famosa por su impactante escenografía y sus efectos visuales, innovadores para la época. Paul Wegener, que también interpretó el papel principal, es reconocido por su interpretación del Golem. Esta película se considera una obra significativa en la historia del cine de terror y ha dejado un impacto duradero en el género.
Genuino (1920)
«Genuino» es una película muda dirigida por Robert Wiene en 1920. Robert Wiene es el mismo director conocido por la famosa película «El gabinete del Dr. Caligari», y «Genuine» es otro ejemplo de su contribución al cine expresionista alemán.
La trama de «Genuine» gira en torno a una misteriosa mujer cuyo encanto tiene el poder de seducir y corromper a los hombres. La película explora temas de obsesión y manipulación mediante el uso de símbolos extravagantes e imágenes típicas del Expresionismo.
Como muchas películas expresionistas, «Genuine» es conocida por su estilo visual único y extravagante. Wiene utiliza decorados elaborados y diseños intrincados para crear un mundo cinematográfico surrealista e inquietante. La película representa una de las muchas obras de arte visual de la época expresionista y contribuye a su peculiar legado en el cine.
El gabinete del Dr. Caligari (1920)
«El gabinete del Dr. Caligari» (en alemán: «Das Cabinet des Dr. Caligari») es una película muda alemana dirigida por Robert Wiene y estrenada en 1920. Es una obra emblemática del cine expresionista alemán y una de las películas más influyentes de la historia del cine.
La historia se sitúa en un pequeño pueblo alemán y sigue al protagonista, Francis, mientras relata su inquietante experiencia con el Dr. Caligari. El Dr. Caligari es un hipnotizador que utiliza a un sonámbulo llamado Cesare para cometer una serie de asesinatos mientras duerme. La película es conocida por su narrativa fragmentada y onírica, que crea una sensación de locura y paranoia.
«El Gabinete del Dr. Caligari» se considera uno de los primeros ejemplos del movimiento expresionista en el cine. El estilo visual de la película se caracteriza por decorados distorsionados, un uso extravagante de la luz y la sombra, y un contraste audaz para crear un mundo distorsionado y surrealista que refleja el estado mental de los personajes.
La película ha tenido una influencia duradera en generaciones de cineastas. Su estilo visual y su compleja narrativa han inspirado a directores como Tim Burton, David Lynch y Terry Gilliam, y su impacto puede verse en muchas películas posteriores de terror y suspense.
Algunos críticos han interpretado la película como una crítica de la conformidad social y la manipulación del poder. El Dr. Caligari representa la autoridad y el control, mientras que Cesare el sonámbulo puede verse como un individuo desprovisto de libre albedrío, obligado a cometer actos violentos.
La película también es conocida por su inesperado giro final, que desafía las expectativas del público y plantea cuestiones sobre la naturaleza de la realidad dentro de la historia.
«El gabinete del Dr. Caligari» está considerada una obra maestra del cine mudo y una de las películas más significativas de la historia del cine. Su influencia en el cine, especialmente en los géneros del terror y el thriller psicológico, perdura aún hoy, y su peculiar estilo visual sigue inspirando a artistas plásticos de todo el mundo.
Dr. Mabuse, el jugador (1922)
«El Dr. Mabuse, el jugador» («Dr. Mabuse, der Spieler» en alemán) es una película muda dirigida por Fritz Lang en 1922. Es una de las primeras películas significativas de la carrera de Lang y se considera un clásico del cine alemán.
La trama de la película gira en torno al Dr. Mabuse, un brillante criminal y jugador que utiliza trucos y engaños para manipular y explotar a la gente. La película sigue sus actividades delictivas y al detective que intenta detenerle. «Dr. Mabuse, el jugador» es conocida por su intrincada trama y la caracterización de su enigmático protagonista.
Esta película fue un gran éxito en la Alemania de la época y consagró a Fritz Lang como uno de los principales directores de su generación. Es conocida por sus profundos temas psicológicos y sociales y por su peculiar estilo visual, que influyó en muchos directores posteriores. «El Dr. Mabuse, el jugador» es una contribución significativa al cine expresionista alemán y al género del cine policíaco.
Nosferatu, una sinfonía de terror (1922)
«Nosferatu, una sinfonía del horror» («Nosferatu, eine Symphonie des Grauens» en alemán) es una película muda dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau en 1922. Es una de las primeras películas significativas que adaptaron la historia de Drácula de Bram Stoker, aunque sin permiso del autor, lo que dio lugar a controversias legales.
El argumento de la película sigue la historia de un agente inmobiliario, Hutter, que es enviado a Transilvania para negociar la venta de una casa a Nosferatu, un vampiro. La película es conocida por su representación del vampiro, interpretado por Max Schreck, caracterizado por un aspecto terrorífico e icónico.
«Nosferatu» está considerada una de las primeras películas de vampiros y una obra maestra del cine expresionista alemán. Es conocida por su uso de luces y sombras, su atmósfera gótica y la interpretación de Schreck como uno de los vampiros más aterradores de la historia del cine. A pesar de la controversia legal, la película ha dejado una huella indeleble en la cultura cinematográfica y sigue siendo un icono del cine de terror hasta nuestros días.
La calle (1923)
«La calle» (Die Straße) es una película muda alemana de 1923 dirigida por Karl Grune. Esta película está reconocida como un ejemplo del cine expresionista alemán y se basa en una historia de Heinrich Zille.
La trama de la película sigue a una joven madre, María, y a su hijo pequeño mientras luchan por sobrevivir en las oscuras y mugrientas calles de una ciudad sin nombre. Mientras intentan escapar de la pobreza, se encuentran con una serie de personajes, algunos compasivos y otros despiadados, en su búsqueda de una vida mejor.
«La Calle» destaca por su retrato de la alienación y la desesperación de la sociedad urbana de la época. Utiliza la estética expresionista para enfatizar la atmósfera sombría y opresiva de las calles de la ciudad. La película se considera un clásico del cine mudo alemán y es apreciada por su contribución al género expresionista.
Faust (1926)
«Fausto» es una película de 1926 dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau. Esta película es una adaptación de la famosa obra de Johann Wolfgang von Goethe «Fausto», una de las obras más célebres de la literatura alemana.
El argumento de la película sigue la historia de Fausto, un médico desilusionado deseoso de descubrir los secretos del universo. Fausto hace un pacto con el diablo, Mefistófeles, en el que cambia su alma por poder y juventud. La película explora temas como la tentación, la redención y la lucha entre el bien y el mal.
«Fausto» es conocida por su extraordinaria cinematografía y el uso innovador de efectos especiales para su época. Friedrich Wilhelm Murnau fue un director influyente en el cine de la época y también es conocido por su trabajo en «Nosferatu el vampiro» (1922). «Fausto» está considerada una de sus obras maestras y una de las películas más significativas del cine mudo alemán.
El destino (1922)
«Destino» (Schicksal) es una película muda de 1921-1922 dirigida por Fritz Lang. Esta película es una adaptación de la novela «Destino» (Der Regisseur) escrita por Hans Müller-Einigen.
La trama de la película sigue la historia de un director de teatro que se enfrenta a diversos retos personales y profesionales mientras intenta dirigir su compañía teatral. La película explora temas como el destino, la pasión y los conflictos humanos.
«Destino» es uno de los primeros trabajos de Fritz Lang antes de su fama con películas como «Metrópolis» (1927) y «M – El monstruo de Düsseldorf» (1931). No es tan conocida como algunas de sus películas posteriores, pero muestra las primeras dotes de dirección de Lang y ofrece una interesante visión de la evolución de su carrera.
Metrópolis (1927)
«Metrópolis» es una innovadora película muda dirigida por Fritz Lang en 1927. Es una obra maestra de la ciencia ficción y una de las películas más emblemáticas de la historia del cine.
El argumento de «Metrópolis» se sitúa en un futuro distópico en el que la sociedad está dividida en dos clases: la élite adinerada que vive rodeada de lujos en la superficie y los trabajadores oprimidos que trabajan en duras condiciones en el subsuelo. La historia sigue al hijo del gobernante de la ciudad, que descubre la difícil situación de los trabajadores y trata de salvar la brecha entre las clases.
Metrópolis» de Fritz Lang es famosa por sus innovadores efectos especiales, su asombrosa escenografía y su visionaria narrativa. Ha tenido una profunda influencia en el género de la ciencia ficción y sigue siendo un clásico de la historia del cine. Los temas de la película sobre la desigualdad social y la resistencia humana siguen siendo relevantes hoy en día.
M (1931)
«M» (M – Eine Stadt sucht einen Mörder) es una película dirigida por Fritz Lang en 1931. Se trata de una importante película alemana y es conocida como una de las primeras películas sonoras.
La trama de la película sigue la caza de un asesino en serie que aterroriza la ciudad de Düsseldorf, Alemania. El criminal, interpretado por Peter Lorre, es un pederasta y asesino. La comunidad decide capturar al criminal por su cuenta, lo que da lugar a una persecución en la que participan tanto la policía como los criminales de la ciudad.
«M» es una película influyente que ayudó a consagrar a Fritz Lang como uno de los grandes directores de cine. Es conocida por su atmósfera oscura y la exploración de temas de alienación social y justicia. La interpretación de Peter Lorre en el papel del criminal es especialmente aclamada. La película es un clásico del cine mundial y se considera una de las mejores películas de la historia.
El testamento del Dr. Mabuse (1933)
«El Testamento del Dr. Mabuse» (Das Testament des Dr. Mabuse) es una película dirigida por Fritz Lang en 1933. Esta película es la secuela de la famosa película muda de Lang de 1922, «El Dr. Mabuse, el jugador».
La trama de la película sigue la investigación policial para detener a una organización criminal dirigida por un enigmático cerebro, el Dr. Mabuse. Este personaje es un genio criminal que planea y orquesta una serie de complejos actos delictivos. La historia explora temas como la locura, el control mental y el conflicto entre el bien y el mal.
«El Testamento del Dr. Mabuse» destaca por haberse realizado durante la era emergente del cine sonoro y por su uso creativo del sonido y los efectos visuales. Se considera un clásico del cine alemán y un importante ejemplo del género del thriller psicológico. Fritz Lang creó una película que sigue influyendo en el cine negro y de suspense.
Frankenstein (1931)
«Frankenstein» es una película dirigida por James Whale en 1931 y es una de las producciones más icónicas del cine de terror. Esta película es una de las primeras y más influyentes adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, «Frankenstein; or, The Modern Prometheus».
La trama sigue al Dr. Henry Frankenstein, interpretado por Colin Clive, en su intento de crear una criatura humana mediante experimentos científicos y la obtención de partes del cuerpo de cadáveres. La criatura, interpretada por Boris Karloff, cobra vida pero se convierte en una fuerza destructiva.
La película «Frankenstein» de James Whale es conocida por su oscura atmósfera, la extraordinaria interpretación de Boris Karloff como la criatura y su exploración de temas como la ética científica, la responsabilidad y la alienación. Se considera un clásico del cine de terror y ha contribuido a definir la imagen icónica del monstruo de Frankenstein. Esta película fue fundamental en la historia del cine y sigue siendo un hito en el género de terror.
El ángel azul (1930)
«El ángel azul» (Der blaue Engel) es una película dirigida por Josef von Sternberg en 1930. Esta película es famosa por ser la primera película sonora alemana y es una de las obras maestras del cine alemán y del director Josef von Sternberg.
La trama de la película gira en torno a un respetado profesor de instituto, interpretado por Emil Jannings, que se enamora de una bailarina de burlesque llamada Lola, interpretada por Marlene Dietrich, que actúa en el Ángel Azul, un decadente club nocturno. El profesor queda atrapado en su pasión por Lola y poco a poco va perdiendo su estatus y su dignidad, y acaba actuando junto a ella en el club.
«El Ángel Azul» es conocida por lanzar la carrera de Marlene Dietrich y por su atmósfera decadente y oscura. Es una película que explora temas como la pérdida de la dignidad, la obsesión y la decadencia moral. La interpretación de Dietrich fue aclamada y contribuyó a convertirla en una estrella de renombre internacional. La película es un clásico del cine expresionista alemán.
