Las películas de drama son el género con mayor número de producciones realizadas, así como en el que encontramos el mayor número de películas imprescindibles. Drama viene de la palabra griega drama, que significa acción, historia. El género dramático, como la tragedia y la comedia, también se originó en la cuna de la civilización, la antigua Grecia.
Su significado antiguo no estaba vinculado a una historia dramática y trágica: por drama se entendía cualquier texto de representación teatral tanto de género dramático como cómico. El término drama tenía una relación directa con dramatización, dramaturgia. Términos que significaban la escritura y la representación escénica de un texto.
Los dramaturgos más antiguos de los que se tiene constancia son Esquilo, Sófocles y Eurípides, Aristófanes y Menandro. El drama histórico Los Persas, de Esquilo, es el más antiguo que se conoce. Por drama hoy en día, en cambio, sobre todo en el cine, se entiende una película con un conflicto dramático, sin ironía, donde la historia no tiene un tono ligero. Pero los matices y las excepciones son obviamente infinitos.
El género dramático en el cine
Las películas dramáticas son las que más se acercan a la experiencia de la vida y con las que es más fácil identificarse. De hecho, los dramas tratan historias de vida en las que el conflicto es algo más realista que el tipo de películas de terror, thriller o ciencia ficción.
En el drama no hay monstruos asesinos ni naves espaciales que viajen a otros planetas. La película dramática, como la comedia, suele inspirarse en sucesos de la actualidad, las costumbres o la vida real.
Puede ser una película biográfica o autobiográfica en la que el guionista o director cuenta un trozo de su propia vida o de la vida de personajes famosos en forma de ficción. Puede ser la historia dramática y trágica de un personaje que no encuentra ninguna posibilidad de redención.
Una película dramática puede tratar de hechos excepcionales o del mundo interior y onírico, pero una de sus peculiaridades es que la historia, aunque sea de carácter excepcional, sea realista. El drama rara vez se percibe como cine de evasión. Incluso la comedia, las películas cómicas siguen ancladas en la realidad, pero a menudo se ven como entretenimiento.
El drama, en cambio, mira a los conflictos directamente a la cara sin suavizarlos. Por el contrario, suele ser una peculiaridad de las mejores películas dramáticas adentrarse en el conflicto, profundizar en la naturaleza trágica y aparentemente irresoluble de los acontecimientos. La película dramática es también la que puede oscilar más ampliamente entre los acontecimientos humanos. En el género dramático se pueden identificar multitud de subgéneros.
Obviamente el drama, más que otros géneros, tiene un valor catártico, el valor catártico de la identificación en una historia. Miramos una historia para vivir otras vidas, para ir más allá de nuestro ego y experimentar conflictos y miedos que aparentemente no nos conciernen en la realidad. Cuando vivimos un drama a través de la narración de una historia, vivimos nuestro drama. Por eso nos emocionamos tanto y nos implicamos tanto.
Al observar en una película a un personaje que experimenta su drama, estamos observando una parte de nosotros mismos, quizá nunca experimentada, pero que existe en alguna parte. El éxito de una película, y más en general de una historia, consiste precisamente en este proceso de identificación. Cuando decimos que una película nos ha «enganchado» estamos diciendo que el proceso de identificación ha tenido éxito.
Hemos vivido el drama en nuestra piel, hemos atravesado el conflicto junto con el protagonista. Nosotros mismos nos convertimos en protagonistas de la película. La mente funciona así y no distingue mucho entre lo que es real y lo que vemos en la pantalla.
La lista de películas dramáticas no se perderá
He aquí una lista de las mejores películas dramáticas de la historia del cine: que sin duda verá al menos una vez en su vida.
Avaricia (1924)
Avaricia (1924) es una película muda de drama psicológico escrita y dirigida por Erich von Stroheim y basada en la novela McTeague de Frank Norris de 1899. La película está protagonizada por Gibson Gowland, ZaSu Pitts y Alice Day.
La película cuenta la historia de McTeague, un dentista que gana una gran suma de dinero en la lotería. Su mujer, Trina, se obsesiona con el dinero y empieza a manipular y controlar a su marido. La vida de McTeague se descontrola a medida que se aísla y se vuelve paranoico.
Avaricia fue un fracaso financiero y de crítica en el momento de su estreno. La película duraba originalmente más de cuatro horas, pero el estudio la redujo a dos. La versión abreviada siguió considerándose demasiado larga y de ritmo demasiado lento, y no encontró público.
En los últimos años, Avaricia ha sido redescubierta y elogiada por sus innovadoras técnicas cinematográficas y su exploración de la codicia humana. La película está considerada actualmente como una de las mejores películas mudas de la historia.
El gran desfile (1925)
The Big Parade (1925) es una película muda de drama bélico dirigida por King Vidor y protagonizada por John Gilbert, Renée Adorée y Hobart Bosworth. La película cuenta la historia de James Apperson, un joven estadounidense que se alista en el ejército para luchar en la Primera Guerra Mundial. Pronto es enviado al frente, donde experimenta en carne propia los horrores de la guerra.
The Big Parade fue un éxito comercial y de crítica, y está considerada una de las mejores películas de guerra jamás rodadas. La película fue elogiada por su realismo y su retrato del coste humano de la guerra. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 25 millones de dólares.
The Big Parade fue nominada a cinco premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor director. Ganó dos premios, a la mejor fotografía y al mejor montaje.
La película fue pionera en su uso del realismo. Vidor utilizó imágenes y localizaciones reales de la guerra, así como primeros planos para mostrar el impacto emocional de la guerra en sus personajes. La película también destacó por el uso de una cámara grúa, que permitió a Vidor filmar amplias tomas del campo de batalla.
A Page of Madness (1926)
Una página de locura (1926) es una película muda japonesa dirigida por Teinosuke Kinugasa. La película está considerada una obra maestra del cine japonés y ha sido elogiada por sus innovadoras técnicas cinematográficas, su exploración de complejos temas psicológicos y su inquietante belleza cinematográfica.
En un asilo rural, bajo una lluvia torrencial, el cuidador se encuentra con pacientes que sufren enfermedades mentales. Al día siguiente llega una joven que se sorprende al encontrar allí a su padre trabajando como cuidador. La madre de la mujer enloqueció primero por culpa de su marido, cuando éste era marinero. El marido decidió cambiar de trabajo para estar cerca de su mujer en el asilo y cuidar de ella.
Película dramática de vanguardia surrealista y expresionista. Película onírica, antinarrativa y experimental que se convierte en un viaje a las pesadillas más profundas del protagonista. Las imágenes, sin embargo, parecen inspirarse en la simbología universal de un inconsciente colectivo que nos afecta a todos. Película dramática imprescindible con continuas incursiones en el género de terror. Obra maestra de vanguardia.
Ver Una página de locura
Amanecer: A Song of Two Humans (1927)
Amanecer: Una canción de dos humanos (1927) es una película muda de drama romántico dirigida por F. W. Murnau y protagonizada por George O’Brien, Janet Gaynor y Margaret Livingston. La película cuenta la historia de un matrimonio de un pueblo rural que se ve tentado por una mujer de la ciudad. El marido es persuadido de matar a su esposa, pero finalmente cambia de opinión y vuelve con ella.
Amanecer fue un éxito comercial y de crítica, y se considera una de las mejores películas de Murnau. La película fue elogiada por su innovadora cinematografía, su uso del simbolismo y su exploración de las emociones humanas. También fue un éxito de taquilla, recaudando más de 3 millones de dólares.
Amanecer fue nominada a tres premios de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor director. Ganó el premio a la Mejor Producción Artística y Única.
La película está considerada actualmente como una de las mejores de la historia. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también en la lista AFI de las 100… 100 películas.
La multitud (1928)
The Crowd (1928) es una película muda de drama romántico dirigida por King Vidor y protagonizada por James Murray, Eleanor Boardman y Bert Roach. La película cuenta la historia de John Sims, un joven que se traslada a Nueva York en busca de una vida mejor. Pronto se casa y forma una familia, pero lucha por encontrar un buen trabajo y mantener a su familia.
Recepción crítica
The Crowd fue elogiada por la crítica en su estreno. Fue elogiada por su realismo y su retrato de las luchas de la clase obrera. La película también fue un éxito de taquilla, recaudando más de un millón de dólares.
Legado
The Crowd está considerada actualmente como una de las mejores películas mudas de la historia. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también en la lista AFI de las 100… 100 películas.
El hombre que ríe (1928)
El hombre que ríe es una película estadounidense muda de 1928 dirigida por Paul Leni y basada en la novela homónima de Victor Hugo de 1869. La película está protagonizada por Conrad Veidt, Mary Philbin y Julius Molnar Jr.
La película cuenta la historia de Gwynplaine, un hombre cuyo rostro ha sido desfigurado quirúrgicamente en una mueca grotesca. Gwynplaine es criado por Ursus, un feriante ambulante, y se convierte en una estrella del carnaval. Gwynplaine se enamora de Dea, una ciega que ignora su deformidad.
La película fue un éxito comercial, pero no fue bien recibida por la crítica. Los temas oscuros y perturbadores de la película se consideraron demasiado chocantes para el público de la época. Sin embargo, la película ha sido redescubierta en los últimos años y ahora se considera un clásico del cine mudo.
Recepción crítica
El hombre que ríe no fue bien recibida por la crítica cuando se estrenó. La película fue criticada por sus temas oscuros e inquietantes, y su uso del maquillaje se consideró demasiado grotesco. Sin embargo, la película ha sido redescubierta en los últimos años y ahora se considera un clásico del cine mudo.
La Pasión de Juana de Arco (1928)
La Pasión de Juana de Arco (en francés: La Passion de Jeanne d’Arc) es una película histórica muda francesa de 1928 basada en el proceso real de Juana de Arco. La película fue dirigida por Carl Theodor Dreyer y protagonizada por Renée Jeanne Falconetti en el papel de Juana. La película narra el viaje de Juana, de campesina a heroína nacional, y su martirio final a manos de los borgoñones y los ingleses.
La Pasión de Juana de Arco está considerada una de las mejores películas de la historia. Es elogiada por su realismo, sus interpretaciones y su impactante fotografía. La película también destaca por el uso de primeros planos, que Dreyer utiliza para mostrar la intensidad emocional de las experiencias de Juana.
La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Ganó el Gran Premio del Festival de Cannes de 1928 y fue nominada a dos premios de la Academia.
La Pasión de Juana de Arco es una película poderosa y conmovedora que explora la vida y la muerte de una mujer extraordinaria. Es una película que sigue siendo relevante hoy en día, y es una visita obligada para cualquier fan del cine mudo.
El viento (1928)
El viento (1928) es una película muda de drama romántico dirigida por Victor Sjöström y protagonizada por Lillian Gish, Lars Hanson y Montagu Love. La película cuenta la historia de una belleza sureña que se traslada al salvaje Oeste americano, donde se ve perseguida por el fantasma de un antiguo amante y por la dura realidad del desierto.
El viento fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su fotografía y su exploración de temas como el aislamiento, la soledad y el poder de la naturaleza.
Recepción crítica
El viento fue elogiado por la crítica en su estreno. Fue alabada por sus interpretaciones, su fotografía y su exploración de temas como el aislamiento, la soledad y el poder de la naturaleza.
Legado
El viento se considera hoy un clásico del cine mudo. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos, y también en la lista AFI de las 100… 100 películas.
La marcha nupcial (1928)
La marcha nupcial (1928) es una película muda de drama romántico dirigida por Erich von Stroheim y protagonizada por Erich von Stroheim, Fay Wray y ZaSu Pitts. La película cuenta la historia de un oficial del ejército mujeriego que se casa con una joven, pero sigue teniendo aventuras con otras mujeres. La película fue un éxito comercial y de crítica en su estreno, y actualmente se considera un clásico del cine mudo.
Recepción crítica
La Marcha Nupcial fue un éxito comercial y de crítica en su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su fotografía y su exploración de los temas del adulterio, la traición y el matrimonio.
Legado
La Marcha Nupcial se considera hoy un clásico del cine mudo. Está incluida en la lista Sight & Sound del British Film Institute de las 50 mejores películas de todos los tiempos.
L’Atalante (1934)
L’Atalante (1934) es una película dramática francesa dirigida por Jean Vigo. La película está considerada un clásico del cine francés y ha ganado numerosos premios, entre ellos el Prix Louis Delluc en 1934.
Jean, el capitán de la barcaza L’Atalante, se casa con Juliette, y la pareja decide vivir a bordo del Atalante junto con la tripulación de Jean, el excéntrico Père Jules y el grumete. La pareja viaja a París para entregar su carga, disfrutando de una improvisada luna de miel por el camino.
Obra maestra dramática del director francés Jean Vigo, película emblemática de los años 30, es un viaje a través de los tormentos existenciales causados por los celos y la posesividad. Los dos jóvenes acaban de casarse, pero estos sentimientos contradictorios no tardan en manifestarse. ¿Libertad y ocio en la diversión de la gran ciudad o la rutina de un largo viaje a bordo de un barco que parece no acabar nunca?
Película dramática que no hay que perderse, una obra maestra del cine que, pensando en otros autores como Jean Epstein, se podría definir impresionista. Pero esto sólo es así en parte: se trata del estilo único e inclasificable de Jean Vigo.
Elegía de Osaka (1936)
Osaka Elegy (1936) es una película dramática japonesa dirigida por Kenji Mizoguchi. La película está considerada una obra maestra del cine japonés y ha sido elogiada por su retrato realista de la vida en Osaka en la década de 1930, su exploración de los temas de la pobreza, la opresión y la lucha por la supervivencia, y su magistral interpretación de Isuzu Yamada.
Ayako Murai es telefonista de la empresa farmacéutica Asai, en la ciudad de Osaka, en 1930. Para pagar las deudas de su padre, en paro y amenazado de arresto por no devolver un préstamo, acepta convertirse en la amante de su patrón .
En una sociedad en la que domina la carrera por el dinero y el poder, las mujeres no pueden hacer otra cosa que someterse a estos mecanismos dominados por los hombres. Mizoguchi vuelve una vez más al tema de los derechos de la mujer, esta vez describiendo de forma ejemplar la ciudad de Osaka. Las luces de neón de la modernidad son la metáfora de unos valores tradicionales que ya no existen. Película dramática que hay que ver por su sensibilidad hacia el mundo femenino.
Ver Osaka Elegy
Ciudadano Kane (1941)
Ciudadano Kane es una película dramática de 1941 dirigida, producida, coescrita y protagonizada por Orson Welles, que entonces sólo tenía 25 años. La película está considerada una de las obras maestras de la historia del cine y a menudo se la cita como la mejor película de todos los tiempos.
La trama de la película sigue la vida de Charles Foster Kane, un magnate de los medios de comunicación que aparece muerto en su enorme finca, Xanadú, a la edad de 70 años. La película comienza con su muerte y retrocede en el tiempo, relatando su vida a través de una serie de flashbacks, entrevistas y recuerdos de quienes le conocieron.
La película es conocida por su innovador uso de técnicas cinematográficas como el montaje, la profundidad de campo y la iluminación, que se han convertido en habituales en el cine moderno. En particular, la película es famosa por su apertura, que utiliza una secuencia de montaje para mostrar la muerte de Kane y su último aliento.
La película recibió nueve nominaciones al Oscar, entre ellas las de mejor película, mejor director y mejor actor para Orson Welles, pero sólo ganó el premio al mejor guión original. A pesar de ello, la película fue aclamada por la crítica y el público e influyó en muchos directores y guionistas posteriores.
La película también ha sido objeto de gran escrutinio académico y cultural, y muchos estudiosos la consideran una reflexión sobre la soledad y la ambición estadounidenses. La película también se ha relacionado con el magnate de los medios de comunicación William Randolph Hearst, en quien supuestamente se inspiró el personaje de Charles Foster Kane.
Obsesión (1943)
Obsesión es una película de 1943 dirigida por Luchino Visconti, considerada una de las obras maestras del cine italiano y una de las precursoras del Neorrealismo.
La película está basada en la novela «El cartero siempre llama dos veces» de James M. Cain, pero el argumento se ha modificado considerablemente para adaptarlo a la realidad italiana de la época. La historia gira en torno a la relación entre Gino, un vagabundo que llega a una posada en el campo, y Giovanna, la esposa del dueño de la posada. La pasión entre ambos es intensa pero también desesperada, y les llevará a realizar acciones desesperadas y trágicas.
La película fue controvertida en su momento por sus temas sexuales explícitos y la descripción de una Italia rural pobre y desesperada. Además, fue la primera película censurada por el régimen fascista por razones morales, antes de poder ser distribuida. Sin embargo, fue aclamada por la crítica y contribuyó a cambiar el panorama del cine italiano, allanando el camino al Neorrealismo.
Obsession es conocida por su impresionante y realista fotografía, su evocadora banda sonora y su teatral puesta en escena. La película influyó en muchos cineastas posteriores, como Federico Fellini y Michelangelo Antonioni, e influyó en el cine neorrealista italiano y en el movimiento francés de la Nouvelle Vague.
Roma Ciudad Abierta (1945)
Es una película italiana de 1945 dirigida por el director Roberto Rossellini. Está considerada una de las películas más importantes de la historia del cine italiano y una de las obras maestras del cine neorrealista.
La trama de la película sigue la historia de un grupo de personas que viven en la Roma ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Entre estos personajes se encuentran un sacerdote, una mujer embarazada, un partisano y un comisario de policía que trabaja con los alemanes. La película sigue sus vidas mientras intentan resistir la ocupación nazi y sus atrocidades.
La película se rodó en gran parte en las calles de Roma, utilizando actores no profesionales y creando una fuerte sensación de realismo. Además, «Roma, ciudad abierta» fue una de las primeras películas que trató directa y crudamente las atrocidades cometidas por los nazis durante la ocupación.
La película recibió numerosos premios y reconocimientos internacionales, contribuyendo a lanzar el movimiento neorrealista italiano en el cine. «Roma, ciudad abierta» está considerada una de las películas más importantes de la historia del cine italiano y ha influido en muchos directores posteriores.
El extranjero (1946)
El desconocido (1946) es una película dramática dirigida, protagonizada y coescrita por Orson Welles. La película está basada en la novela homónima de Albert Camus, publicada en 1942.
En la pequeña ciudad de Harper vive Charles Rankin, que está a punto de casarse con la hija de un importante juez. Pero Charles Rankin es en realidad Frank Kindle, un criminal del Tercer Reich que se ha creado una nueva identidad. Sin embargo, el inspector Wilson le sigue la pista.
Película de drama y suspense, es una película de género realizada por el genial director estadounidense Orson Welles en una de sus atormentadas colaboraciones con Hollywood para traer algo de dinero a casa. Los temas son bastante estándar y siguen la línea editorial de Hollywood: el peligro del espía nazi, la familia y la tranquila provincia americana en peligro, la pequeña iglesia del pueblo que sirve de símbolo de la justicia divina.
En la película, sin embargo, es Orson Welles quien interpreta al protagonista, el hombre del Tercer Reich que se ha reinventado como personalidad en la buena sociedad americana, y esto basta para recomendar su visión. Incluso la dirección de Welles, a pesar de sus imperfecciones, está muy por encima del nivel medio de este tipo de narraciones antinazis producidas en Hollywood.
Ver El desconocido
Sciuscià (1946)
Sciuscià es una película dramática italiana de 1946, dirigida por Vittorio De Sica. La película cuenta la historia de dos jóvenes de la calle de Roma, Giuseppe y Pasquale, que se ganan la vida como limpiabotas, pero se ven envueltos en una red de delincuencia.
La película está considerada una de las obras maestras del neorrealismo italiano, movimiento cinematográfico que pretendía representar la realidad social y política de la Italia de posguerra. Sciuscià se rodó con un presupuesto limitado y con actores no profesionales, entre ellos los dos jóvenes protagonistas Franco Interlenghi y Rinaldo Smordoni.
La película obtuvo un gran éxito internacional y ganó el Gran Premio en el Festival de Cannes de 1946. Sciuscià también recibió una nominación al Oscar a la mejor película extranjera.
La película explora temas universales como la amistad, la pobreza, la delincuencia, la desigualdad social y la infancia. La historia de los dos limpiabotas es una metáfora de la condición del pueblo italiano, sometido a la dureza de la guerra y la pobreza.
Sciuscià es una película conmovedora, que supo representar con delicadeza y realismo las dificultades y contradicciones de la vida cotidiana en aquel periodo histórico. El final de la película ha sido definido como uno de los más dramáticos e intensos de la historia del cine, dejando a los espectadores impresionados y conmovidos.
Ladrones de bicicletas (1948)
Ladrones de bicicletas es una película dramática de 1948 dirigida por Vittorio De Sica, considerada una de las obras maestras del neorrealismo italiano.
La trama sigue la historia de Antonio Ricci (interpretado por Lamberto Maggiorani), un padre de familia en paro que finalmente consigue trabajo como camorrista en Roma. Sin embargo, su trabajo requiere el uso de una bicicleta, que no posee. Su desesperación le lleva a empeñar lo único de valor que tiene, su cama de matrimonio, para comprar una bicicleta.
Por desgracia, le roban la bicicleta en su primer día de trabajo y, con la ayuda de su hijo Bruno (interpretado por Enzo Staiola), se embarca en una búsqueda desesperada para recuperarla. En el camino, los dos se encuentran con una variedad de personajes, incluyendo algunos que parecen haber robado la bicicleta de Antonio.
La película es conocida por su descripción realista de la vida de posguerra en Italia, donde reinaban la pobreza y el desempleo. La fotografía en blanco y negro y el uso de actores no profesionales (como Maggiorani y Staiola) contribuyen a la sensación de autenticidad de la película.
La película ha sido aclamada por la crítica desde su estreno y ha ganado numerosos premios, entre ellos el Gran Premio del Festival de Cannes. La película se ha convertido en un clásico del cine italiano y ha influido en muchos directores de todo el mundo.
Mrs. Oyu (1951)
Miss Oyu (1951) es una película dramática japonesa en blanco y negro dirigida por Kenji Mizoguchi. Está basada en la novela de 1932 El cortador de caña, de Jun’ichiro Tanizaki.
La trama de la película sigue la historia de Oyu, una aristócrata viuda a la que se prohíbe volver a casarse porque debe criar a su hijo como cabeza de familia de su marido. Se enamora de Shinnosuke, un joven que es presentado a su familia como posible marido para su hermana menor.
Oyu y Shinnosuke se enamoran profundamente, pero su relación se ve frustrada por las convenciones sociales. Oyu se ve obligada a casarse con la hermana de Shinnosuke, pero sigue viendo en secreto al hombre que ama.
La relación entre Oyu y Shinnosuke es apasionada y atormentada. Los dos amantes están destinados a sufrir, pero no pueden evitar amarse.
La primera película dramática de Mizoguchi que haría famoso al director en Occidente. Es una de sus mejores películas. Una variada representación de la cultura japonesa en todas sus formas. El tema es uno de los más queridos del director: la mujer encarcelada en una jaula social de la que es incapaz de liberarse. La mujer humillada, en su más íntima esencia interior, por tabúes y tradiciones retrógradas.
Ver Mrs. Oyu
Principios del verano (1951)
Early Summer (麦秋, Bakushū, Lit. «Tiempo de cosecha de cebada») es una película dramática japonesa de 1951 dirigida por Yasujirō Ozu. La película está considerada una de las obras maestras de Ozu y ha sido elogiada por su matizada exploración de la dinámica familiar, los cambios sociales de posguerra y la complejidad de las relaciones humanas.
Trama
Ambientada en el Tokio de la posguerra, la película sigue la vida de la familia Mamiya, en particular de Noriko, la hija mayor, mientras navega por las expectativas de su familia y de la sociedad en relación con el matrimonio. Al acercarse Noriko a la veintena, sus padres, hermanos y parientes se preocupan cada vez más por su soltería y le sugieren constantemente posibles pretendientes.
Noriko, sin embargo, resiste sus presiones y sigue siendo selectiva, buscando una pareja que comparta sus valores y aspiraciones. Su indecisión e independencia chocan con las expectativas tradicionales de su familia y la sociedad, lo que provoca momentos de tensión y reflexión.
Película dramática que hay que ver absolutamente, obra maestra de Yasujiro Ozu que forma parte de la llamada trilogía de Noriko, el personaje protagonista de la película. En esta historia cinematográfica, Osu vuelve al tema fundamental de su fotografía: la unidad de la familia que se desmorona mientras los grandes cambios sociales construyen nuevos valores y un nuevo futuro.
Ver principios de verano
Umberto D. (1952)
Umberto D. es una película dramática italiana de 1952, dirigida por Vittorio De Sica, protagonizada por Carlo Battisti en el papel de Umberto Domenico Ferrari, un jubilado que intenta sobrevivir en una Roma de posguerra.
La película narra la conmovedora historia de un anciano que intenta hacer frente a las dificultades de la vida cotidiana: alquiler, pensión insuficiente, aislamiento social. Umberto D. vive con su fiel perro, Flike, e intenta conservar su piso a pesar de las constantes llamadas del propietario.
A pesar de sus esfuerzos, Umberto D. no encuentra un trabajo que le permita mantener su estilo de vida. Intenta vender los objetos de valor, pero se ve obligado a abandonar la idea debido a los precios demasiado bajos que le ofrecen.
La situación de Umberto D. empeora cuando es hospitalizado por una enfermedad y descubre, a su regreso, que el propietario ha decidido desahuciarle. Umberto D. busca ayuda entre sus amigos, incluida la joven institutriz María, pero se da cuenta de que nadie puede ayudarle.
La película termina con Umberto D. que, tras intentar en vano encontrar una solución a sus problemas, decide abandonar su apartamento y marcharse con su perro Flike.
Umberto D. está considerado una de las obras maestras del neorrealismo italiano, movimiento cinematográfico que se desarrolló tras la Segunda Guerra Mundial y que se caracterizó por la representación realista de la vida cotidiana y de las dificultades económicas y sociales de la Italia de posguerra. La película fue apreciada por su delicadeza y profunda humanidad, que convirtieron a Umberto D. en un icono del cine italiano y mundial.
Cuento de Tokio (1953)
Cuento de Tokio (1953) es una película dramática japonesa dirigida por Yasujirō Ozu. Está considerada una de las obras maestras de Ozu y ha sido elogiada por su matizada exploración de la dinámica familiar, el envejecimiento y la muerte.
Shukichi y Tomi, ya cerca de los setenta, hacen un viaje a Tokio para visitar a sus hijos antes de que sea demasiado tarde. Sin embargo, cuando llegan a la ciudad, el recibimiento no es el esperado: el hijo mayor, Koichi, y su hermana, Shige, tienen demasiados compromisos laborales y parecen vivir la visita de sus ancianos padres más como una molestia que como una alegría.
La película más famosa de Corpse es una de las mayores obras maestras de la historia del cine. Para toda una generación de directores y críticos de cine, la película más importante de la historia. De hecho, es increíble la sensibilidad con la que el maestro del cine japonés Ozu filmó un tema clave de la vida humana. Padres que envejecen y son apartados cuando las prisas de la vida moderna ya no dejan espacio para una comunicación auténtica.
El viaje de los dos padres ancianos a la gran ciudad. Su compostura y aparente ingenuidad, típicamente oriental, con la que no dan importancia a la indiferencia que perciben de sus hijos. Películas para no perderse absolutamente, para ver y ver una y otra vez.
Ver Tokyo Story
Ugetsu (1953)
Ugetsu (1953) es una película dramática japonesa dirigida por Kenji Mizoguchi. Está considerada una de las obras maestras de Mizoguchi y ha sido elogiada por su matizada exploración de los temas del amor, la pérdida y la naturaleza ilusoria de la realidad.
Japón, finales del siglo XVI: el alfarero Genjurō y su hermano Tobei viven con sus esposas Miyagi y Ohama en un pueblo de la región de Omi; Genjurō, convencido de que puede ganar mucho dinero vendiendo sus mercancías en la ciudad cercana, viaja al condado de Omizo junto con Tobei, que se une a él con el único propósito de poder convertirse en samurái.
Otra obra maestra del drama, otra perla de la cinematografía japonesa. La historia del samurái Genjurō, cegado por la ambición y presa fácil de demonios y hechizos de amor, es una de las más memorables de la historia del cine. La dirección aquí alcanza niveles muy altos muy raros. Es una película dramática, onírica y surrealista sobre la vulnerabilidad del hombre ante sus pasiones «más bajas».
Y también una película de misterio, más que de misterio. Es decir, una película que revela con el lenguaje del cine conocimientos esotéricos muy antiguos. Un libro entero no bastaría para exponer su contenido.
Ver Ugetsu
La puerta del infierno (1953)
La puerta del infierno (1953) es una película dramática japonesa dirigida por Teinosuke Kinugasa. Está considerada una de las obras maestras del cine japonés y ha sido galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes de 1954 y el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Lord Kiyomori abandona su castillo para ir a luchar. Mientras está ausente, algunos señores locales intentan dar un golpe de estado para apoderarse de su castillo. El samurái Endō Morito escolta a la dama de compañía Kesa en su salida del palacio disfrazada de hermana del daimyō, lo que da tiempo a su padre y a su hermana real a escapar sin ser vistos.
Película de imágenes, decorados y vestuario impresionantes. Ganadora de un Oscar y del Gran Premio del Jurado en Cannes. El tema de esta película dramática es el conflicto de un hombre poseído por un amor enfermizo y violento que le hace perder la luz de la razón.
Un tema típico de algunas obras maestras japonesas, como la película de Kenji Mizoguchi Cuentos de la luna pálida de agosto. Las pasiones son fantasmas, demonios, que pueden transportarnos a un mundo de ilusiones y autodestrucción. Lea el artículo completo en Gate of hell.
Ver Puerta del Infierno
El hombre del brazo de oro (1955)
Es una película de drama y cine negro de 1955 dirigida por Otto Preminger y protagonizada por Frank Sinatra, Kim Novak y Eleanor Parker. La película está basada en la novela homónima de Nelson Algren.
La trama sigue las vicisitudes de Frankie Machine (Frank Sinatra), un ex convicto que intenta recomponerse tras salir de la cárcel. Frankie es muy buen músico y toca la batería, pero también tiene una adicción a la heroína que lo vuelve inestable. Su vida se complica aún más cuando intenta reconciliarse con su ex mujer Zosh (Eleanor Parker), que también es drogadicta.
Frankie intenta dejar su adicción a la heroína y empezar una nueva vida como músico, pero se ve obligado a enfrentarse a las presiones de su entorno, incluido su viejo amigo Sparrow (Arnold Stang) y su patrón , el gángster Schwiefka (Robert Strauss).
La película trata temas muy descarnados y realistas, como la drogadicción, la violencia doméstica y la corrupción del crimen organizado. Fue una de las primeras películas de Hollywood en abordar estos temas directamente y sin censura alguna.
Crazed Fruit (1958)
Fruta enloquecida (狂った果実, Kurutta Kajitsu ) es una película japonesa en blanco y negro de 1958 dirigida por Nobuo Nakagawa y basada en la novela homónima de Shintaro Ishihara. La película se considera un clásico de culto y es conocida por su estilo experimental y su descripción de la generación de la tribu del sol, un grupo de jóvenes japoneses desilusionados con la sociedad tras la Segunda Guerra Mundial.
Trama
La película sigue la historia de Ichiro, un joven que lidera un grupo de jóvenes sin rumbo y desilusionados. Ichiro y sus amigos se pasan el día bebiendo, de fiesta y practicando sexo ocasional. Son indiferentes al mundo que les rodea y no tienen metas ni aspiraciones.
La vida de Ichiro da un giro cuando conoce a Keiko, una joven diferente a las demás mujeres que ha conocido. Keiko es inteligente e independiente, y desafía la visión del mundo de Ichiro. Ichiro se enamora de Keiko, pero su relación está condenada al fracaso desde el principio.
Consulte
El declive de la joven generación de ricos burgueses japoneses. La dulce vida de una de las tribus del sol, juventud alternativa oriental a la que le encantaba practicar el estilo de vida occidental en un contexto completamente diferente. Película dramática japonesa sublimemente rodada, con una impresionante fotografía de contraste en blanco y negro. También aquí el drama se funde con la tragedia.
Ver Crazed Fruit
Los 400 golpes (1959)
Es una película dramática francesa de 1959 dirigida por François Truffaut, que cuenta la historia de Antoine Doinel, un joven parisino que crece en el seno de una familia disfuncional y en un entorno escolar difícil. La película está considerada una obra maestra del cine francés y una piedra angular de la Nouvelle Vague, movimiento cinematográfico francés de los años cincuenta y sesenta.
La película fue el primer largometraje de Truffaut y representó un punto de inflexión para el cine francés e internacional, ya que introdujo una nueva estética y un nuevo enfoque de la narración. El título de la película hace referencia a una expresión francesa que significa «causar escándalo».
La película sigue la historia de Antoine Doinel, interpretado por Jean-Pierre Léaud, un chico de 14 años que vive en un París gris y frío con su madre, que le desatiende, y su padrastro, que le maltrata. Antoine es un chico rebelde y desilusionado que intenta escapar de las dificultades de su vida mediante pequeños actos de delincuencia.
La película pone de relieve la alienación y el aislamiento que Antoine experimenta en la sociedad, tanto en su familia como en la escuela. Truffaut utiliza una técnica de rodaje a menudo descrita como «cinema verité», que da a la película un aire documental, mientras que la partitura de Jean Constantin le da un toque emocional.
La película fue aclamada por la crítica internacional y ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1959, lo que contribuyó a su popularidad e influencia en el cine francés e internacional. La película marcó también el inicio de una larga colaboración entre Truffaut y Léaud, que se convertiría en uno de los actores más importantes de la Nouvelle Vague.
La dulce vida (1960)
La Dolce Vita es una película italiana de 1960 dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée. Está considerada una de las obras maestras del cine italiano y una de las obras más importantes de la cinematografía mundial.
La trama de la película sigue la vida de Marcello Rubini (interpretado por Mastroianni), un periodista romano que intenta encontrar la felicidad y la plenitud en la vida, pero en lugar de ello se ve inmerso en una serie de experiencias vacías y superficiales. A lo largo de la historia, Marcello pasa por diferentes fases de la vida nocturna romana, desde fiestas fastuosas hasta fiestas en discotecas, conociendo a una serie de personajes excéntricos y desilusionados.
Uno de los elementos más memorables de la película es la escena en la que Marcello y la bella actriz sueca Sylvia (interpretada por Ekberg) se zambullen en la Fontana de Trevi de Roma, creando uno de los momentos más icónicos de la historia del cine.
La Dolce Vita es una película muy discutida y a menudo interpretada de diferentes maneras por críticos y espectadores. Algunos ven en la historia una crítica a la superficialidad y decadencia de la sociedad italiana de los años sesenta, mientras que otros la interpretan como un retrato del anhelo humano y la búsqueda de la felicidad.
Jules y Jim (1962)
«Jules y Jim» è una película francesa 1962 drama dirigido por Francois Truffaut. La película está basada en la novela homónima de Henri-Pierre Roché.
La trama de la película sigue la historia de Jules (interpretado por Oskar Werner) y Jim (interpretado por Henri Serre), dos amigos artistas que se enamoran de la misma mujer, Catherine (interpretada por Jeanne Moreau). Su amistad se pone a prueba cuando Catherine se casa con Jules, pero luego comienza una relación con Jim. La relación se vuelve cada vez más compleja e intensa, hasta desembocar en una trágica conclusión.
La película es conocida por su innovadora narración no lineal y su descripción de una relación a tres bandas. También fue apreciada por las interpretaciones de los actores principales y la partitura de Georges Delerue.
«Jules et Jim» se ha convertido en un clásico del cine francés y uno de los principales contribuyentes al movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague. La película ha inspirado numerosas obras de arte, entre ellas la canción «Jules et Jim» de Carla Bruni.
8 ½ (1963)
8 1/2 es una película dramática italiana de 1963, dirigida por Federico Fellini. La película está considerada una de las obras maestras del director y una de las más importantes de la historia del cine.
La película sigue la historia de Guido Anselmi, un director en crisis creativa que intenta hacer una nueva película. Guido se encuentra en una situación difícil, ya que la presión de su productor, actores y financieros es cada vez mayor, pero no encuentra inspiración para su proyecto.
Mientras intenta resolver sus problemas, Guido recuerda diversos momentos de su vida, como su infancia, sus relaciones pasadas y su matrimonio. Sin embargo, la línea que separa la realidad de la fantasía empieza a difuminarse hasta que Guido ya no puede distinguir entre lo que es real y lo que no lo es.
La película fue aclamada por la crítica por su profundidad psicológica, su impactante estilo visual y su memorable banda sonora. Ganó varios premios, incluido el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1964.
8 1/2 es una película que explora la crisis creativa y la psicología de un director, ofreciendo una visión fascinante y conmovedora del mundo del cine.
El beso desnudo (1964)
El beso desnudo (1964) es una película estadounidense de melodrama neo-noir escrita y dirigida por Samuel Fuller y protagonizada por Constance Towers, Anthony Eisley, Michael Dante y Virginia Grey. Fue la segunda película de Fuller para Allied Artists tras su película de 1963 Shock Corridor.
Trama
Kelly, una antigua prostituta, mata a su proxeneta y abandona el pueblo tras robarle el dinero que le debía. Se traslada a Grantville, una pequeña ciudad de California, y acepta el trabajo de enfermera en un hospital para niños discapacitados.
Kelly está decidida a empezar una nueva vida y dejar atrás su pasado. Es amable y compasiva con los niños del hospital, y se gana rápidamente su confianza.
Sin embargo, el pasado de Kelly la alcanza cuando es reconocida por uno de los habitantes del pueblo. Pronto es condenada al ostracismo por la comunidad y se ve obligada a enfrentarse a sus demonios.
Consulte
Película dramática sobre una mujer que intenta cambiar su vida y trata de liberarse de su pasado. Sin embargo, los hombres con los que entra en contacto no parecen tener conciencia propia. Son más bien engranajes involuntarios de un mecanismo social que decide cómo deben comportarse.
Son más bien personajes que buscan un chivo expiatorio en el que descargar su frustración. Hombres que ya no conocen el perdón, la compasión, la visión esperanzada de un nuevo futuro, sino sólo la represión.
Ver El beso desnudo
La vaca (1969)
La vaca (1969) (en persa: گاو, transliteración: Gāv) es una película dramática iraní de 1969 dirigida por Dariush Mehrjui y basada en los cuentos y novelas de Gholāmhoseyn Sa’edi. La película está considerada una de las obras maestras de la Nouvelle Vague iraní y ha sido elogiada por su matizada exploración de los temas de la pobreza, la alienación y la búsqueda del sentido de la vida.
Trama
La película está ambientada en un pequeño pueblo de Irán y cuenta la historia de Masht Hassan, un pobre granjero que aprecia a su vaca más que a nada en el mundo. La vaca de Hassan es su única fuente de ingresos y su única compañía. Se pasa el día cuidando de su vaca y hablando con ella.
Un día, la vaca de Hassan muere misteriosamente. Hassan está desolado y no puede creer que su querida vaca haya desaparecido. Empieza a creer que la vaca no ha muerto realmente, sino que simplemente se ha transformado en otra forma.
Hassan empieza a buscar a su vaca y se pasea por el pueblo preguntando a la gente si la han visto. Es objeto de burlas y desprecio, y acaba siendo expulsado del pueblo.
Consulte
Inmensa película dramática, obra maestra seminal de la Nueva Ola iraní. Muchos lugares y narraciones que no se olvidan fácilmente. La dramática historia de un hombre que identifica su propia vida con su único patrimonio: una vaca.
Una película dramática que hay que ver al menos una vez en la vida para comprender lo que puede ser el cine lejos de los mecanismos del mainstream industrial, en un país pobre como Irán. Creatividad pura, actores al más alto nivel. Lea el artículo completo en La Vaca.
Ver La Vaca
La montaña sagrada (1973)
La montaña sagrada (1973) es una película surrealista, fantástica y de aventuras dirigida por Alejandro Jodorowsky. La película está basada en la novela homónima de Jodorowsky e incorpora elementos de alquimia, religión, esoterismo y cultura popular.
Trama
Un hombre, apodado el ladrón, que representa la carta del Loco en el Tarot, yace inconsciente en un desierto, entre enjambres de moscas. Cuando despierta se encuentra con un enano sin pies ni manos, que representa el Cinco de Espadas. Los dos se hacen amigos y se van a la ciudad más cercana, donde ganan dinero entreteniendo a los turistas.
Consulte
No es fácil hablar de La Montaña Sagrada y de un director como Jodorowsky, dos entidades ante las que uno se queda sin palabras. ¿Es una película dramática? La película está etiquetada como película de drama, pero es mucho más, es una de las películas en las que el género cinematográfico se rompe por completo. Es una de las películas más extrañas, absurdas y extremas de la historia del cine.
Una película visualmente impresionante, al nivel del cine de Federico Fellini, en el que sin duda se inspira. Cada plano es una obra figurativa en la que se cuida hasta el más mínimo detalle. Cada detalle tiene un valor simbólico, esotérico. Imágenes de una violencia inaudita se alternan con momentos espirituales, con la presencia de un protagonista muy parecido a Jesucristo.
La película es también una interpretación a través de imágenes de los significados de la cábala y las cartas del tarot, así como una feroz crítica de la guerra, el consumismo y el capitalismo. No se puede dejar de ver La Montaña Sagrada de Jodorowsky. Sus excesos y su estética barroca pueden no gustar.
Pero realmente es la obra de un hombre con un coraje extraordinario. Parece una superproducción de Hollywood, pero se creó con crowdfunding. Ninguna de las grandes Los estudios de cine industrial nunca habrían financiado una película así.
Ver La Montaña Sagrada
Sebastiane (1976)
Sebastiane (1976) es una película británica de drama histórico dirigida por Derek Jarman. Se trata de una adaptación libre del martirio de San Sebastián, soldado romano ejecutado por su fe cristiana. La película es conocida por sus temas homoeróticos y su uso de secuencias a cámara lenta.
Trama
En el siglo III después de Cristo, Sebastiane formaba parte de la guardia del emperador Diocleciano. Cuando intenta evitar el asesinato de una de las prometidas del emperador, es severamente castigado, privado de su cargo y enviado al exilio a un lugar lejano.
Consulte
Extravagante y original reelaboración de la historia de la vida de San Sebastiano, tomada de los Evangelios apócrifos. El director icono del mundo gay Derek Jarman opta por grabar los diálogos de la película en latín y por mostrar sin filtros los desnudos y las relaciones amorosas entre los soldados romanos.
Esto le causa varios problemas con la censura y con el estreno de la película, pero también un gran reconocimiento por parte del mundo gay de la época que luchaba contra la discriminación por sus derechos. Película dramática que nos habla de la tragedia de las persecuciones contra el «diferente», el que es percibido como no alineado con el sistema dominante.
Lo que antes se percibía como criminal, perverso y vergonzoso, incluso ser crucificado y torturado, luego se declara digno de respeto y dignidad. Las dramáticas contradicciones del hombre y de la historia de la humanidad en una película que, si se lee de forma más amplia que el género LGBT, sensibiliza sobre cosas muy importantes.
Ver Sebastiane
Taxi Driver (1976)
«Taxi Driver» es una película dramática de 1976 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro, Jodie Foster y Harvey Keitel. La película está considerada un clásico del cine estadounidense y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1976.
La trama de la película sigue la historia de Travis Bickle (interpretado por De Niro), un ex marine que trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Travis es un hombre solitario y alienado que se siente desilusionado con el mundo que le rodea. Tras ser rechazado por una chica que trabaja en una cafetería, Travis se obsesiona cada vez más con la violencia y la corrupción de la ciudad.
Travis decide entonces tomar cartas en el asunto y se convierte en justiciero, planeando un atentado contra un político corrupto y su entorno. Mientras tanto, Travis se enamora de una joven prostituta llamada Iris (interpretada por Jodie Foster) e intenta salvarla de su turbulenta vida.
La película es conocida por la interpretación de De Niro, que fue aclamada por la crítica y recibió una nominación al Oscar al Mejor Actor. «Taxi Driver» también ha sido objeto de muchas discusiones y debates sobre la violencia y la psicología del personaje de Travis.
La película fue un éxito comercial e inspiró muchas otras obras a lo largo de los años, como la serie de televisión de David Simon «The Deuce» y «Joker», de Todd Phillips. «Taxi Driver» está considerada una de las mejores películas de Scorsese y un hito del cine estadounidense de los años 70.
Toro salvaje (1980)
Toro salvaje es un drama biográfico de 1980 dirigido por Martin Scorsese, producido por Robert Chartoff e Irwin Winkler y adaptado por Paul Schrader y Mardik Martin a partir del relato de Jake LaMotta de 1970 Raging Bull: Mi historia.
La película está protagonizada por Robert De Niro en el papel de Jake LaMotta, un púgil italoamericano de peso medio cuya rabia compulsiva y autodestructiva, sus celos y su hambre animal han dañado la relación con su mujer y su familia. En la película aparecen Joe Pesci como Joey, el hermano de LaMotta, y Cathy Moriarty como Vikki, su pareja. Nicholas Colasanto, Theresa Saldana y Frank Vincent interpretan papeles secundarios en la película.
Durante la fotografía principal, cada una de las escenas de boxeo se coreografió con un diseño visual concreto, y De Niro engordó unos 15 kilos para representar a LaMotta en sus últimos años tras el boxeo. La película recibió calificaciones mixtas en su estreno, pero fue nominada a 8 premios de la Academia. Tras su estreno, la película siguió cosechando grandes elogios, y ahora se considera una de las mejores películas de la historia.
El hombre elefante (1980)
El hombre elefante es una película biográfica de 1980 sobre Joseph Merrick, un hombre gravemente deformado del Londres de finales del siglo XIX. La película fue dirigida por David Lynch, producida por Mel Brooks y Jonathan Sanger, y protagonizada por John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Michael Elphick, Hannah Gordon y Freddie Jones.
En el Londres de finales del siglo XIX, John Merrick, un hombre gravemente desfigurado por un raro trastorno óseo, vive recluido en los túneles subterráneos de la ciudad. Es descubierto por Frederick Treves, un joven y ambicioso médico, que lo lleva al Hospital de Londres.
Al principio, Treves queda fascinado por el estado de Merrick y lo expone a los profesionales médicos. Sin embargo, pronto desarrolla un afecto genuino por Merrick y empieza a tratarlo como a un ser humano.
Merrick se introduce en la sociedad londinense, donde al principio es recibido con curiosidad e incluso crueldad. Sin embargo, acaba ganándose a mucha gente con su carácter amable y su inteligencia.
El guión de la película fue adaptado por Lynch, Christopher De Vore y Eric Bergren a partir de The Elephant Man and Other Reminiscences (1923) de Frederick Treves y The Elephant Man: A Study in Human Dignity (1971) de Ashley Montagu.
Se rodó en blanco y negro y utiliza maquillaje de Christopher Tucker. El hombre elefante fue un éxito comercial con 8 candidaturas al Oscar, incluidas las de mejor película, mejor director, mejor guión adaptado y mejor actor.
Rain Man (1988)
Rain Man es una película dramática de 1988 dirigida por Barry Levinson y protagonizada por Dustin Hoffman y Tom Cruise.
La película cuenta la historia de Charlie Babbitt (Tom Cruise), un joven y ambicioso vendedor de coches de Los Ángeles, que descubre que tiene un hermano mayor autista llamado Raymond (Dustin Hoffman) que vive en una institución mental. Tras la muerte de su padre, Charlie intenta conseguir una parte de la herencia, pero descubre que todo el patrimonio ha quedado en manos de Raymond. Desesperado, Charlie decide secuestrar a Raymond y llevárselo en un viaje por carretera a través de Estados Unidos, con la esperanza de poder convencer a su hermano de que comparta la herencia con él.
Durante el viaje, Charlie aprende más sobre Raymond y su enfermedad, y acaba desarrollando una profunda empatía por él. Raymond demuestra tener habilidades asombrosas, como la capacidad de memorizar números y resolver complicados rompecabezas matemáticos. Su relación evoluciona y Charlie se da cuenta de que Raymond no es sólo una carga, sino una persona con personalidad y vida propia.
La película fue un gran éxito comercial y de crítica, y ganó cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor actor para Dustin Hoffman por su interpretación de Raymond. «Rain Man» también contribuyó en gran medida a sensibilizar a la opinión pública sobre el autismo y la difícil situación de las personas que lo padecen.
Shawshank Redemption (1994)
Es una película de 1994, dirigida porFrankDarabont y basada en el relato corto de Stephen King titulado «Rita Hayworth y Shawshank Redemption». La película está considerada una de las obras maestras del cine estadounidense contemporáneo y ha recibido numerosos galardones, incluidas siete nominaciones a los premios de la Academia.
La trama de la película sigue la historia de Andy Dufresne, interpretado por Tim Robbins, un banquero condenado injustamente a cadena perpetua por asesinar a su mujer y al amante de ésta. Andy es enviado a la cárcel de Shawshank, donde conoce a Red, interpretado por Morgan Freeman, un preso que se gana la vida en la cárcel. Red se convierte en el mejor amigo de Andy y le ayuda a sobrevivir a la dura realidad de la cárcel.
La película narra la lucha de Andy por recuperar su libertad y demostrar su inocencia, pero también su lucha por encontrar la esperanza y la redención en un lugar tan desesperado y deprimente como la cárcel de Shawshank. Gracias a su inteligencia y perseverancia, Andy consigue ganarse la confianza del alcaide de la prisión y de los demás reclusos, y finalmente, tras años de reclusión, logra escapar de la cárcel.
Es una película muy conmovedora y emotiva, que trata temas como la amistad, la esperanza, la redención y la lucha por la libertad. La película fue elogiada por el público y la crítica por su capacidad para contar una historia tan intensa y atractiva, y por las extraordinarias interpretaciones de Tim Robbins y Morgan Freeman.
Trainspotting (1996)
Trainspotting es una película dramática de 1996 dirigida por Danny Boyle, basada en la novela homónima de 1993 de Irvine Welsh. La película cuenta la historia de un grupo de jóvenes drogadictos que viven en Edimburgo, Escocia, durante la década de 1980.
El protagonista de la película es Mark Renton, interpretado por Ewan McGregor, un joven drogadicto que intenta salir del círculo de drogas y delincuencia que le rodea. La historia sigue a Mark y sus amigos, entre ellos Spud, Sick Boy y Begbie, mientras intentan evitar la cárcel, la muerte y la adicción.
La película aborda temas como la drogadicción, la pobreza, la violencia, la alienación social y la búsqueda de un sentido de pertenencia. El director Danny Boyle emplea una serie de técnicas visuales innovadoras, como el uso de fotografía de ritmo rápido, secuencias oníricas y una banda sonora ecléctica para crear una experiencia cinematográfica única.
Trainspotting fue un gran éxito de crítica y público y se ha convertido en una película de culto, principalmente por su descripción realista de la vida de los jóvenes drogadictos. La película también lanzó las carreras de actores como Ewan McGregor, Robert Carlyle y Kelly Macdonald. En 2017 se estrenó una secuela titulada «Trainspotting 2».
Un domingo cualquiera (1999)
Es una película de drama deportivo de 1999 dirigida por Oliver Stone y escrita por John Logan y el propio Stone. La película gira en torno a la vida y la carrera de un entrenador de fútbol profesional, Tony D’Amato (interpretado por Al Pacino), y su equipo de Miami, los Miami Sharks.
La película es conocida por su descripción descarnada y realista del mundo del fútbol profesional, centrada en la presión constante, la competición y la violencia física a la que se enfrentan los jugadores cada día. En la película, D’Amato se enfrenta a diversos problemas, como el declive de su equipo, las presiones de los propietarios para que gane y los problemas personales de sus jugadores.
El reparto de la película está formado por grandes nombres, como Cameron Diaz, Dennis Quaid, James Woods y Jamie Foxx, que interpreta al quarterback del equipo. La película fue bien recibida por la crítica y el público, sobre todo por las interpretaciones de los actores y su descripción realista del mundo del fútbol.
La película está considerada un clásico del género deportivo y un filme importante por su honesto retrato de las presiones y conflictos del fútbol profesional.
Traffic (2000)
Traffic es una película estadounidense de 2000 escrita por Stephen Gaghan, basada en su novela homónima de 1989, y dirigida por Steven Soderbergh. La película cuenta con un reparto de lujo: Michael Douglas, Benicio del Toro, Catherine Zeta-Jones, Dennis Quaid, Don Cheadle, Luis Guzmán, Miguel Ferrer y Steven Bauer.
Traffic sigue las vidas cruzadas de varias personas implicadas en el tráfico ilegal de drogas, desde el jefe de un cártel en México hasta un agente de la DEA en Estados Unidos. La película explora las complejas y trascendentales consecuencias del narcotráfico, desde la violencia y la corrupción en México hasta la adicción y la desesperación que provoca en Estados Unidos.
Recepción crítica
Traffic fue aclamada por la crítica tras su estreno. Fue elogiada por su ambicioso alcance, sus complejos personajes y su realista retrato del tráfico de drogas. La película cuenta con un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes, sobre la base de 223 críticas, con una calificación media de 8/10. El consenso crítico del sitio reza así: «Soderbergh saca adelante con éxito la muy ambiciosa Traffic, una película con tres historias diferentes y un reparto muy numeroso».
Traffic ganó cuatro premios de la Academia, entre ellos los de mejor guión adaptado, mejor director, mejor actor de reparto para Benicio del Toro y mejor actriz de reparto para Catherine Zeta-Jones. También fue nominada a la mejor película.
Taquilla
Traffic fue un éxito de taquilla, recaudando más de 207 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 75 millones.
Réquiem por un sueño (2000)
Réquiem por un sueño es una película estadounidense de 2000 de drama psicológico escrita y dirigida por Darren Aronofsky, basada en la novela homónima de 1978 de Hubert Selby Jr. La película está protagonizada por Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly y Marlon Wayans. Sigue las vidas interconectadas de cuatro individuos en su lucha contra la adicción y la autodestrucción en la ciudad de Nueva York.
Recepción crítica
Réquiem por un sueño fue aclamada por la crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su dirección y su retrato oscuro y descarnado de la adicción. La película cuenta con un 83% de aprobación en Rotten Tomatoes, sobre la base de 123 críticas, con una nota media de 7,80/10. El consenso crítico del sitio reza: «Réquiem por un sueño es una película desgarradora e implacable, perturbadora y cautivadora. Ellen Burstyn ofrece una interpretación magistral de una mujer consumida por la adicción, y la dirección es a la vez elegante y eficaz.»
Taquilla
Réquiem por un sueño fue un fracaso de taquilla, recaudando sólo 4,4 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 4 millones. Sin embargo, desde entonces ha ganado seguidores de culto y ahora se considera una de las mejores películas de la década de 2000.
Premios
Réquiem por un sueño fue nominada a dos premios Independent Spirit, entre ellos el de mejor interpretación femenina de reparto para Ellen Burstyn y el de mejor fotografía. También ganó el Premio Espiga de Oro en el Festival de Cine de Valladolid.
Kandahar (2001)
Kandahar es una película dramática de 2001 escrita y dirigida por Mohsen Makhmalbaf, ambientada en Afganistán durante el régimen talibán. La película cuenta la historia de Nafas, una mujer afgano-canadiense que regresa a Afganistán para encontrar a su hermana, que quedó atrás cuando la familia huyó del país años antes.
La película está basada en una historia real de Nelofer Pazira, periodista afgano-canadiense que regresó a Afganistán por primera vez tras la caída de los talibanes. Pazira interpretó a Nafas en la película, que se rodó en Afganistán con un reparto y un equipo afganos.
Kandahar es una película poderosa y conmovedora que ofrece una mirada al interior de la vida bajo el régimen talibán. La película fue elogiada por la crítica por su descripción realista de la realidad afgana y por la interpretación de Pazira.
La película se estrenó en el Festival de Cannes de 2001, donde obtuvo el Premio Ecuménico del Jurado. También fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Magdalena (2002)
Es una película de 2002 sobre la violencia contra las mujeres, dirigida por Peter Mullan, que narra la historia de tres jóvenes encarceladas en uno de los llamados «Magdalene Asylums», instituciones religiosas dirigidas por monjas católicas en Irlanda desde el siglo XIX hasta finales de la década de 1990.
Las tres mujeres, interpretadas por Anne-Marie Duff, Nora-Jane Noone y Dorothy Duffy, acaban en estas instituciones por diferentes motivos: una por ser acosada por un primo, otra por ser violada por un chico del pueblo , y la tercera por ser considerada demasiado atractiva y pecadora por los hombres de su país.
En estas instituciones, las mujeres son sometidas a castigos corporales, trabajos forzados y humillaciones, todo ello impuesto por las monjas que las dirigen. La película sigue las vidas de los tres protagonistas mientras intentan encontrar la fuerza para resistir la opresión que sufren y hallar una salida de esta prisión religiosa.
La película fue aclamada por la crítica por su denuncia del sistema de abusos perpetrado por monjas católicas en Irlanda, y ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2002. Sin embargo, también fue criticada por la Iglesia católica irlandesa, que consideró que la película ofrecía una imagen injusta y negativa de su institución.
El pianista (2002)
El pianista es una película biográfica dramática de 2002 producida y dirigida por Roman Polanski, con guión de Ronald Harwood y protagonizada por Adrien Brody. Se basa en el libro autobiográfico El pianista (1946), una narración sobre el Holocausto escrita por el pianista y escritor judío polaco Władysław Szpilman, superviviente del Holocausto. La película fue una coproducción de Francia, el Reino Unido, Alemania y Polonia. El Pianista se estrenó en el Festival de Cannes de 2002 el 24 de mayo de 2002, donde ganó la Palma de Oro. La película obtuvo un gran reconocimiento, y los críticos alabaron la dirección de Polanski, la interpretación de Brody y el guión cinematográfico de Harwood. En la 75ª edición de los premios de la Academia, la película obtuvo los galardones al mejor director (Polanski), al mejor guión adaptado (Harwood) y al mejor actor (Brody).
La hora 25 (2002)
Es una película dramática de 2002 dirigida por Spike Lee y basada en la novela de David Benioff. La película es un drama que sigue la historia de Monty Brogan, interpretado por Edward Norton, un traficante de drogas que acaba de recibir una condena de siete años de prisión.
La historia transcurre durante el último día de libertad de Monty, que dedica su tiempo a reflexionar sobre su vida y las decisiones que le han llevado a su situación actual. A él se unen sus amigos de toda la vida, Jacob Elinsky (interpretado por Philip Seymour Hoffman) y Francis Xavier Slaughtery (interpretado por Barry Pepper), que intentan ayudar a Monty a averiguar cómo afrontar el futuro.
La película explora temas como la amistad, la responsabilidad y el racismo, con algunas escenas centradas en los conflictos entre las comunidades blanca y negra de Nueva York tras los atentados del 11-S. La interpretación de Norton es especialmente notable, y la película fue bien recibida en general por la crítica por su dirección, reparto y partitura.
Es una película poderosa y conmovedora que explora temas profundos y complejos a través de la vida de un solo individuo. Si te gustan las películas dramáticas y los personajes bien desarrollados, puede que te guste esta película.
La película recaudó aproximadamente 13,1 millones de dólares en taquilla en Estados Unidos, mientras que el presupuesto de producción fue de aproximadamente 5 millones de dólares. Aunque no obtuvo grandes ingresos en taquilla, la película fue muy elogiada por la crítica y con el tiempo se ha convertido en una película de culto para muchos aficionados al cine.
Million Dollar Baby (2004)
«Million Dollar Baby» es una película de 2004 dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por él mismo, Hilary Swank y Morgan Freeman. La historia está basada en un relato corto de F.X. Toole y sigue la vida de Maggie Fitzgerald (interpretada por Hilary Swank), una joven que sueña con convertirse en campeona profesional de boxeo.
Maggie consigue la ayuda de un malhumorado y anciano entrenador de boxeo llamado Frankie Dunn (interpretado por Clint Eastwood), que al principio se muestra reacio a entrenarla, pero que finalmente se encariña con ella y le enseña todo lo que sabe. Juntos, Maggie y Frankie se abren camino hacia el éxito en el ring, pero la vida no es fácil para ellos. La película trata temas como la soledad, la amistad, la familia, la muerte y la dignidad. El final de la película es muy emotivo y ha suscitado diferentes reacciones entre el público y la crítica.
«Million Dollar Baby» recibió numerosas nominaciones y premios, entre ellos cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director para Clint Eastwood, a la mejor actriz para Hilary Swank y al mejor actor de reparto para Morgan Freeman. La película fue también un gran éxito comercial y recibió críticas positivas de la crítica.
El diario de Noa (2004)
Es una película romántica de 2004 dirigida por Nick Cassavetes, basada en la novela homónima de Nicholas Sparks. La película narra la historia de amor entre Allie (interpretada por Rachel McAdams) y Noah (interpretado por Ryan Gosling), dos jóvenes que se enamoran intensamente durante el verano de 1940 en Carolina del Norte.
El drama se desarrolla a través de un flashback, en el que un anciano Noah (interpretado por James Garner) lee la historia de su amor a Allie (interpretada por Gena Rowlands), que padece Alzheimer y ya no recuerda el pasado. La película es conocida por su final lacrimógeno y su emotiva banda sonora.
La película alcanzó un gran éxito crítico y comercial, y se convirtió en un auténtico culto romántico. También lanzó la carrera de Rachel McAdams y cimentó la de Ryan Gosling, que más tarde se convirtieron en dos de las estrellas más queridas de Hollywood.
Se considera una película que marcó una época para el género romántico, gracias a su capacidad para tocar las cuerdas emocionales de los espectadores y representar el amor de forma intensa y apasionada.
La vida de los otros (2006)
Es un drama alemán de 2006 dirigido por Florian Henckel von Donnersmarck. La película está ambientada en la Alemania Oriental de 1984, justo antes de la caída del Muro de Berlín, y sigue la historia de un oficial de la Stasi, el servicio de seguridad de Alemania Oriental, llamado Hauptmann Gerd Wiesler. Wiesler recibe el encargo de espiar al famoso dramaturgo Georg Dreyman y a su novia, la actriz Christa-Maria Sieland, sospechosos de ser disidentes políticos. Wiesler comienza a escuchar a escondidas sus conversaciones y a observar su vida privada, pero a medida que pasa el tiempo, se involucra cada vez más en sus vidas y comienza a reevaluar sus creencias políticas.
La película fue aclamada por la crítica por su descripción realista de la vida en la Alemania del Este y las interpretaciones de sus actores, entre los que destacan Ulrich Mühe como Wiesler y Sebastian Koch como Dreyman. La película ganó numerosos premios, incluido el Oscar a la mejor película extranjera en 2007, y está considerada como una de las mejores películas alemanas de las últimas décadas.
«La vida de los otros» es un poderoso drama humano que explora los temas de la opresión política, la libertad personal y la esperanza. La película ofrece una crítica del régimen comunista de Alemania Oriental, pero al mismo tiempo también muestra la complejidad de los personajes implicados y su lucha por preservar su integridad y humanidad en un mundo hostil.
Gran Torino (2008)
Gran Torino es una película dramática de 2008 dirigida por Clint Eastwood, que también interpreta al personaje principal, Walt Kowalski.
La trama gira en torno a la vida de Walt Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea que vive en un barrio obrero de Detroit. Walt es un hombre rudo y racista, que nunca ha hecho amistad con sus vecinos inmigrantes, especialmente con una familia de origen hmong, un grupo étnico del sudeste asiático.
Tras la muerte de su esposa, Walt se encuentra solo y alejado de su familia, que lo considera un viejo racista e incomprensible. Pero cuando la familia hmong de al lado es objetivo de una banda de jóvenes del barrio, Walt se ve obligado a actuar para protegerlos, utilizando su experiencia y habilidad con las armas para defender a sus nuevos amigos.
Gran Torino aborda muchos temas delicados, como el racismo, la inmigración y la violencia en las zonas urbanas. La película también ofrece una intensa reflexión sobre la soledad y la vejez, y cómo estas realidades pueden empujar a las personas a encontrar un nuevo sentido a la vida y a reconciliarse con su pasado.
Gran Torino fue aclamada por la crítica por sus interpretaciones, su dirección y su valiente mensaje contra el racismo. La película se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla de Clint Eastwood, recaudando más de 270 millones de dólares en todo el mundo.
Precious (2009)
«Precious» es una película sobre el maltrato a las mujeres de 2009 dirigida por Lee Daniels y basada en la novela «Push» de Sapphire. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2009 y recibió críticas positivas por parte de la crítica, cosechando múltiples premios y nominaciones de la Academia, como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz.
La trama sigue la vida de Claireece «Precious» Jones, una chica afroamericana de 16 años que vive en el Harlem de los años ochenta. Precious sufrió abusos sexuales por parte de su padre y tiene dos hijos, uno de ellos con síndrome de Down, que fueron dados en adopción. La madre de Precious es maltratadora y abusa física y emocionalmente de ella. Precious, que es analfabeta, se matricula en una escuela alternativa, donde conoce a la profesora de literatura, la Sra. Rain. Gracias al apoyo de la Sra. Rain y de otros personajes, entre ellos su asistente social, Precious empieza a superar los obstáculos de su vida y a perseguir sus sueños.
La película aborda temas difíciles como los abusos sexuales, la violencia doméstica, la pobreza, la discriminación racial y la discapacidad, pero lo hace con sensibilidad y respeto por los personajes. El reparto de la película está formado por actores de talento, como Gabourey Sidibe, Mo’Nique, Paula Patton y Mariah Carey, que han recibido elogios por sus interpretaciones. La interpretación de Mo’Nique como madre de Precious le valió el Oscar a la mejor actriz de reparto. Es una película conmovedora y poderosa que aborda temas difíciles y consigue hacerlo con delicadeza y humanidad.
Queen of The Lot (2010)
Una tobillera electrónica y el arresto domiciliario no bastan para impedir que la aspirante a actriz Maggie Chase (Tanna Frederick) persiga sus objetivos: hacerse famosa en el mundo del cine y encontrar una relación sentimental. Maggie quiere llegar a protagonizar películas de la máxima calidad y abandonar el mundo del cine de serie B.
El director Henry Jaglom parece haber experimentado de primera mano las frustraciones y los absurdos de la industria cinematográfica dominante de Los Ángeles y cómo vampiriza las almas de las personas que la componen. Otra de las cualidades de Jaglom como guionista y director es su capacidad para contar una historia dramática y, al mismo tiempo, amar a sus personajes sin sentimentalismos.
Queen of the Lot es una película independiente con un estilo claramente reconocible de un autor fuera de la caja y la banalidad de las películas comerciales. Tanna Frederick vuelve a ser una actriz apasionada y con talento a las órdenes de Jaglom.
Tournèe (2010)
Joachim Zand, productor de televisión en crisis, regresa a Francia tras una larga estancia en Estados Unidos. Joaquín había cortado todos los lazos en Francia: amigos, enemigos, hijos. Llega con un grupo de bulliciosas strippers californianas que hacen espectáculos de burlesque que quiere mostrar en París.
El drama existencial de un hombre que quiso cortar todos los lazos con su pasado y tiene que enfrentarse al vacío y la alienación. Un camino interior común a muchas personas que deciden alejarse de su lugar de origen para buscar una nueva vida y eliminar el sufrimiento. Una película dramática que no hay que perderse y que aborda un tema fundamental de la vida: el deseo de escapar, de reinventarse y la comparación con las cuentas pendientes.
El monje (2011)
En la España del siglo XVII, un niño es abandonado en la puerta de un monasterio. De adulto se convertirá en el padre capuchino Ambrosio. Criado con los frailes, Ambrosio es un ejemplo para los demás. Sin embargo, de repente se ve enfrentado a tentaciones debido a un hombre que llega al convento.
Drama imprescindible, terror oscuro y lleno de matices, con atmósferas mefistofélicas. La ambientación en un convento recuerda vagamente a El nombre de la rosa. La interpretación de Vincent Cassel es soberbia. La película trata el tema de la tentación y el fanatismo religioso, que a veces es más demoníaco que los pecados materiales. Una de esas películas dramáticas en las que el drama se tiñe de tragedia.
Hugo (2011)
Hugo es una película dramática estadounidense de 2011 escrita y dirigida por Martin Scorsese. La película está protagonizada por Asa Butterfield en el papel de Hugo Cabret, un huérfano de 12 años que vive entre las paredes de una estación de tren en el París de 1931. A Hugo le fascinan los relojes y sueña con reparar un autómata que le dejó su difunto padre.
Recepción crítica
Hugo fue aclamada por la crítica, que elogió su dirección, interpretaciones, fotografía y efectos visuales. Tiene un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 257 críticas, con una nota media de 8,40/10. El consenso crítico del sitio reza así: «Hugo es una película visualmente impresionante y emocionalmente resonante, que entretiene y hace reflexionar. La dirección de Martin Scorsese es magistral, y las interpretaciones son todas excelentes».
Taquilla
Hugo fue un éxito de taquilla, recaudando más de 210 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 150 millones.
Premios
Hugo ganó cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor mezcla de sonido, mejores efectos visuales y mejor música original. También recibió nominaciones a la mejor película, el mejor director, el mejor guión adaptado y el mejor montaje.
La quinta temporada (2012)
En un pequeño pueblo de las Ardenas vive una comunidad que está a punto de celebrar el final del invierno con la tradicional hoguera. La alegría de la celebración se desvanece cuando se produce un extraño suceso, interpretado por los aldeanos como un mal presagio: el fuego de la hoguera no prende.
Película dramática que no hay que perderse con un valor metafórico que nos habla de la condición de la humanidad. Una historia inspiradora para reflexionar sobre un momento en el que el hombre y la naturaleza parecen haber dejado de estar en armonía. A causa de los comportamientos y el egoísmo del hombre, por supuesto.
Cautivos (2012)
Es el 27 de mayo de 2001. El grupo de separatistas islámicos de Abu Sayyaf, asesinos y ladrones fanáticos que se creen revolucionarios que luchan por una causa noble, toman como rehenes a doce personas de un complejo turístico de la isla de Dos Palmas, al sur de Filipinas . Pero hubo un error: sin embargo, no son las personas adecuadas a las que querían captar.
Basada en una terrible historia real, Cautivos es una película rodada con la participación de actores no profesionales. Un drama imprescindible del director filipino Brillante Mendoza con tintes de thriller y acción. Rodada en la naturaleza salvaje y agreste de la isla de Palawan.
La caza (2012)
Es una película dramática de 2012 dirigida por Thomas Vinterberg y escrita por Tobias Lindholm. La trama sigue a Lucas (interpretado por Mads Mikkelsen), un hombre que vive en una pequeña comunidad de Dinamarca y que es acusado falsamente de abusar sexualmente de una adolescente.
La historia se desarrolla en torno a la reacción de la comunidad ante la noticia de la acusación, que se convierte en un auténtico linchamiento público contra Lucas. La película explora la psicología de las bandas, la caza de brujas y la violencia psicológica y física que la sociedad puede infligir a un individuo inocente.
Mads Mikkelsen ofrece una interpretación intensa y cargada de emoción en el papel de Lucas, cuyo personaje intenta desesperadamente demostrar su inocencia, pero es rechazado continuamente por la comunidad que le rodea. La tensión de la película es alta de principio a fin, y su temática universal y actual hace reflexionar sobre los peligros del juicio sumario y la vulnerabilidad del individuo dentro de la sociedad.
La película fue un éxito comercial y de crítica, ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes de 2012 y recibió una nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. La película fue elogiada por su cuidada dirección, su guión bien estructurado y las interpretaciones de los actores, y sigue siendo una importante contribución al debate sobre las consecuencias de los linchamientos mediáticos y la justicia sumaria.
Locke (2013)
La película Locke es un drama psicológico británico de 2013 dirigido por Steven Knight e interpretado por Tom Hardy. La trama de la película transcurre íntegramente en una autopista, donde el personaje de Hardy, Ivan Locke, conduce de Birmingham a Londres, enfrentándose a una serie de llamadas telefónicas que cambiarán su vida para siempre.
La historia transcurre en tiempo real y sigue a Locke mientras intenta resolver diversos problemas, incluida una crisis familiar y profesional, mientras se dirige a Londres para asistir al nacimiento de su bebé con una mujer con la que ha mantenido una relación intermitente. Durante el viaje, Locke habla por teléfono con varios personajes, entre ellos su familia, su jefe, su ayudante y la mujer embarazada, intentando resolver los problemas de forma ética y responsable.
La interpretación de Tom Hardy como Ivan Locke es notable, ya que es el único actor presente en pantalla y transmite sus emociones sobre todo a través de su voz, ya que no podemos verle la cara. La dirección de Steven Knight se centra en la intensidad emocional del personaje y su lucha interior, más que en la acción o los efectos especiales.
La película Locke fue aclamada por la crítica por su originalidad y por la interpretación de Tom Hardy. Se ha descrito como una obra de arte minimalista, que se centra en la fuerza narrativa y el matiz emocional, más que en el espectáculo visual. En resumen, Locke es una película que explora los temas de la responsabilidad, la moralidad y la lealtad, presentando a un personaje que lucha por encontrar una solución justa a sus problemas personales y profesionales.
El lobo de Wall Street (2013)
El lobo de Wall Street es una película estadounidense de drama y comedia negra de 2013 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Terence Winter, basada en las memorias homónimas de 2007 de Jordan Belfort. La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio en el papel de Belfort, un corredor de bolsa neoyorquino que dirige una empresa que se dedica a la corrupción desenfrenada en Wall Street en la década de 1990. Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jean Dujardin, Jon Favreau, Shea Whigham, Cristin Milioti y Matthew McConaughey también protagonizan la película.
La película fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 400 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de producción de 100 millones. Fue nominada a cinco premios de la Academia, entre ellos los de mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor actor para DiCaprio y mejor actor de reparto para Hill.
Recepción crítica
El lobo de Wall Street recibió críticas positivas de la crítica, que elogió su dirección, interpretaciones, guión y montaje. Tiene un índice de aprobación del 85% en Rotten Tomatoes, basado en 272 críticas, con una nota media de 8,10/10. El consenso de la crítica dice así: «El lobo de Wall Street es un viaje salvaje, una crítica mordaz y oscuramente cómica de la avaricia y el exceso que es a la vez estimulante y agotadora. Leonardo DiCaprio está en su mejor momento como el carismático y moralmente arruinado Jordan Belfort, y la dirección de Martin Scorsese es aguda y enérgica».
Taquilla
El lobo de Wall Street fue un éxito de taquilla, recaudando más de 400 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 100 millones. Fue la película más taquillera de la carrera del director Martin Scorsese hasta que fue superada por The Irishman en 2019.
Whiplash (2014)
Whiplash es una película estadounidense de 2014 de drama psicológico escrita y dirigida por Damien Chazelle, protagonizada por Miles Teller y J. K. Simmons. La película sigue al ambicioso estudiante de música y aspirante a baterista de jazz Andrew Neiman (Teller), que es llevado al límite por su abusivo instructor Terence Fletcher (Simmons) en el prestigioso Conservatorio Shaffer de Nueva York.
Recepción crítica
Whiplash fue aclamada por la crítica tras su estreno. Fue elogiada por sus interpretaciones, su dirección, su montaje y sus secuencias de percusión jazzística. La película cuenta con un 98% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 264 críticas, con una nota media de 8,80/10. El consenso de la crítica del sitio reza así: «Whiplash es una película visceral, electrizante y absolutamente absorbente, a la vez técnicamente brillante y emocionalmente resonante».
Taquilla
Whiplash fue un éxito de taquilla, recaudando más de 83 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 3,3 millones de dólares.
Premios
Whiplash ganó cinco premios de la Academia, entre ellos el de mejor actor de reparto para J. K. Simmons, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor mezcla de sonido y mejor película. También recibió nominaciones al Mejor Director y al Mejor Actor para Miles Teller.
Birdman (2014)
Birdman es una película dramática de 2014 dirigida por Alejandro González Iñárritu y protagonizada por Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton y Emma Stone.
La trama sigue a Riggan Thomson (interpretado por Michael Keaton), un actor que en su día encarnó al famoso superhéroe Birdman, y que ahora intenta reavivar su carrera teatral escribiendo, dirigiendo y protagonizando una obra en Broadway. A lo largo de la obra, Riggan se enfrenta a una serie de retos, como las dificultades para gestionar las relaciones con su entorno, su ex mujer y su hija recién salida de rehabilitación.
Lo que hace única a Birdman es su innovador estilo de rodaje. Gran parte de la película se rodó en una sola toma continua, creando una sensación de inmersión en la vida escénica de Riggan. Además, la película explora temas como la identidad, la fama, la creatividad y la locura, utilizando a menudo el humor y la ironía para comentar las industrias del cine y el teatro.
La película fue un gran éxito de crítica y recibió numerosos galardones, entre ellos cuatro premios de la Academia, a la mejor película, al mejor director, al mejor guión original y a la mejor fotografía. Además, las interpretaciones de los actores fueron muy elogiadas, especialmente la de Michael Keaton, que recibió una nominación al Mejor Actor en los Premios de la Academia.
Mamá (2014)
Mommy» es una película dramática de 2014 escrita y dirigida por el director canadiense XavierDolan. La película se presentó a concurso en el Festival de Cannes de 2014, donde obtuvo el Premio del Jurado.
La película cuenta la historia de una madre viuda, Diane «Die» Després (interpretada por Anne Dorval), que intenta hacer frente a la educación de su hijo de 15 años, Steve (interpretado por Antoine Olivier Pilon), que padece un trastorno por déficit de atención e hiperactividad. La relación entre madre e hijo es complicada y a menudo conflictiva, pero Die hace todo lo posible por mantener a raya el comportamiento problemático de Steve.
La trama de la película se cuenta a través de una particular técnica de filmación, que utiliza una relación de aspecto 1:1 (es decir, cuadrada) y una fotografía muy luminosa, que acentúa el dramatismo de las escenas.
«Mommy» fue alabada por la crítica por su sensibilidad, su intensidad emocional y la brillantez de las interpretaciones de los actores principales. La película también se consideró una reflexión sobre la dificultad de la paternidad, el amor incondicional y la complejidad de las relaciones familiares.
«Mommy» es una película poderosa y atractiva, que consigue transmitir al público una fuerte empatía hacia los personajes y sus historias.
Mi hijo (2017)
Julien siempre viaja por trabajo. Sus constantes ausencias del hogar y su incapacidad para cuidar de su hijo Mathys destruyeron su matrimonio con Marie. Durante su estancia en Francia recibe una inquietante llamada de su ex mujer: su hijo, que ahora tiene siete años, ha desaparecido mientras acampaban en los Alpes. Julien llega inmediatamente al lugar de la desaparición y comienza con gran tenacidad y determinación la búsqueda de su hijo, investigando personalmente.
Partiendo de un taco narrativo bien establecido en el género del thriller, Mi hijo, del director francés Christian Carion, es una película que no hay que perderse, sobre todo por el estilo con el que está rodada. Concebida desde el principio como una película a realizar casi en tiempo real, a lo largo de 6 días de rodaje, el director utiliza un método radical de improvisación con su actor principal, Guillaume Canet.
Charlie Says (2018)
Karlene Faith es una trabajadora social que trabaja en la prisión de mujeres donde están encarceladas Leslie Van Houten, conocida como Lulu, Patricia Krenwinkel, conocida como Katie, y Susan Atkins, conocida como Sadie. Se trata de tres «Manson’s Girls», las chicas de la secta de Charles Manson, culpables de haber participado en crímenes atroces, condenadas a la pena de muerte por el asesinato de nueve personas, entre ellas la actriz Sharon Tate.
La guionista Guinevere Turner escribe una sentida historia, partiendo de una experiencia personal en su adolescencia en la que ella y su familia se encontraron participando en una secta en la comunidad de Mel Lyman, cuyos seguidores aspiraban a irse a vivir al planeta Venus . La directora Mary Harron no describe a Charles Manson como la personificación del mal, un personaje enigmático y maldito. En cambio, lo describe como un mediocre, un vagabundo racista, un hombre frustrado que no ha logrado alcanzar sus sueños y vive al margen de la sociedad. Charlie Manson es, de hecho, un hombre con una fuerte personalidad capaz de plagiar la voluntad de los demás con falsos ideales, un falso misticismo fruto de su locura.
First Man (2018)
‘First Man’ es un biopic de 2018 dirigido por Damien Chazelle y escrito por Josh Singer, que narra la historia del astronauta estadounidense Neil Armstrong y su histórica misión de convertirse en el primer hombre en pisar la Luna.
La película está basada en la biografía «First Man: La vida de Neil A. Armstrong» de James R. Hansen y está protagonizada por Ryan Gosling como Neil Armstrong, con un reparto que incluye a Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll y muchos otros.
La película sigue la vida de Neil Armstrong desde principios de los años 60, cuando era piloto de pruebas de la NASA, hasta el momento histórico de la misión Apolo 11 en 1969. La película ha sido alabada por su precisión histórica y la interpretación de los actores, especialmente la de Gosling, que recibió elogios por su retrato de Armstrong.
La película también fue elogiada por su dirección, su impresionante fotografía y la banda sonora de Justin Hurwitz, que ganó el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original. «First Man» fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor actor para Ryan Gosling, pero no ganó en ninguna categoría.
«First Man» es una película atractiva y bien elaborada que ofrece una inmersión total en la vida del astronauta Neil Armstrong y su histórica misión de convertirse en el primer hombre en llegar a la Luna.
Casa ocupada (2020)
Una gran sala, un pianista solitario, una presencia misteriosa y el mundo exterior, dentro de calles solitarias, alrededor de una piscina, a lo largo de un río, siempre ella, todavía ella. Recuerdos vacíos de una historia de amor. Al hombre le espera un asiduo juego de espejos, cuando llama a su puerta una extraña mujer que se parece demasiado al alma que habita en su casa.
Una obra poética con una estructura linealmente inteligible que remite a la imaginería del cine gótico-romántico, de la vida más allá de la muerte y del amor más allá de cualquier obstáculo concreto para vivir, con su misterio indisoluble y la fugacidad del amor terrenal en el centro.
Nika (2020)
La película «Nika» sigue la historia de una joven de Los Ángeles que perdió a sus dos padres en un accidente de coche. Aunque ha emprendido una carrera como modelo, Nika siente un vacío en la existencia y el peso del tiempo que pasa. Aunque ha estudiado en varios campos artísticos, no ha logrado el éxito que esperaba y su amiga, que se ha convertido en una popular estrella, no parece contenta. Nika, desesperada económicamente, se enfrenta a una decisión vital que podría hacerla triunfar o fracasar: convertirse en acompañante.
La película representa un mundo de fragilidad y personajes que buscan sentido en una sociedad que parece hostil. La directora Leilani Amour Arenzana, a través de inspiraciones surrealistas y oníricas, cuenta la historia de unos personajes presos en una trampa «occidental», donde los vicios, la fragilidad psicológica y el materialismo se imponen. Nika es una película que mezcla drama y romance, narrando un periodo de transformación y redención de la protagonista.
La ballena (2022)
La ballena» es una película estadounidense de 2022 de drama psicológico dirigida por Darren Aronofsky y escrita por Samuel D. Hunter, basada en su obra homónima de 2012. La película está protagonizada por Brendan Fraser, que interpreta a Charlie, un hombre obeso que se está muriendo de enfermedad e intenta reconciliarse con su hija adolescente.
La película se estrenó en el Festival de Cine de Telluride en septiembre de 2022 y recibió críticas generalmente positivas por parte de la crítica. En particular, la actuación de Fraser fue elogiada como una de las mejores de su carrera.
La trama de «La ballena» gira en torno a Charlie, un hombre obeso que se está muriendo de enfermedad y que vive solo en una vieja casa del noroeste del Pacífico. Tiene una relación difícil con su familia y especialmente con su hija adolescente, que le desprecia por su estilo de vida y las decisiones que ha tomado en el pasado.
A pesar de sus dificultades, Charlie intenta rehacer su vida y reconciliarse con su hija. A lo largo de la historia, la película explora la relación entre padre e hija, la culpa y la redención, y el impacto que las decisiones del pasado pueden tener en el presente.
La película es un retrato intenso y conmovedor de un hombre que lucha consigo mismo y con sus decisiones vitales, y su intento de encontrar una forma de redención y reconciliación con su familia.
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades (2022)
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades es una película de 2022 dirigida por Alejandro González Iñárritu. La película está protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Fernando Grediaga, Irene Azuela, Leonardo Ortizgris y Andrés Almeida.
La película cuenta la historia de Silverio Pérez, un reputado periodista y documentalista mexicano que regresa a su tierra natal tras pasar muchos años en Estados Unidos. Silverio se encuentra en una crisis existencial, sintiéndose dividido entre su identidad mexicana y su vida americana.
La película está ambientada en varias ciudades de México, como Ciudad de México, Guadalajara y Tijuana. La historia se cuenta de forma no lineal, con flashbacks y flashforwards entrelazados.
Recepción crítica
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades fue un éxito de crítica. La película fue elogiada por su dirección, guión, interpretaciones y fotografía.
Premios
La película ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 2022. También recibió cuatro nominaciones a los Premios Ariel, entre ellas las de mejor película, mejor director y mejor actor para Daniel Giménez Cacho.
Consulte
Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades es una película compleja y sugerente que ofrece una perspectiva original de la condición humana. La película está bien hecha y es atractiva, con actuaciones memorables de todo el reparto.
La película es especialmente acertada en su retrato de la crisis existencial de Silverio. El personaje de Silverio es un hombre que se siente perdido y desorientado, en busca de un sentido de pertenencia. La película explora las diferentes facetas de esta crisis, mostrando cómo puede estar causada por factores personales, sociales y culturales.
Babylon (2022)
Babylon es una película estadounidense de 2022 de comedia negra y drama épico escrita y dirigida por Damien Chazelle. La película está protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jovan Adepo, Li Jun Li, Jean Smart, Tobey Maguire, Katherine Waterston, Samara Weaving, Flea y Max Minghella. La película sigue a un grupo de ambiciosos soñadores en Los Ángeles de los años veinte, cuando la industria comienza la transición del cine mudo al sonoro.
Recepción crítica
Babylon recibió críticas mixtas de los críticos, con algunos elogiando su ambición y actuaciones, mientras que otros criticaron su longitud y exceso de indulgencia. Tiene un 61% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 277 críticas, con una nota media de 6,5/10. El consenso crítico del sitio reza así: «Babylon es una película épica y ambiciosa, estimulante y agotadora a la vez. La dirección de Chazelle es enérgica y elegante, y las interpretaciones son sólidas, pero la duración de la película y su exceso de indulgencia pueden dificultar su visionado».
Taquilla
Babylon fue una bomba de taquilla, recaudando 63,4 millones de dólares frente a un presupuesto de producción de 78-80 millones.
Premios
Babylon fue nominada a tres premios de la Academia: Mejor Banda Sonora Original, Mejor Diseño de Producción y Mejor Diseño de Vestuario. También recibió una nominación a la mejor banda sonora original en los Globos de Oro.
Imperio de la Luz (2023)
Empire of Light (2023) es una película británica de drama psicológico escrita y dirigida por Sam Mendes. La película está protagonizada por Olivia Colman, Micheal Ward, Tom Brooke y Toby Jones. Está ambientada en una ciudad costera inglesa a principios de la década de 1980 y sigue a un grupo de personas que trabajan en un cine cuando la industria empieza a pasar del cine mudo al sonoro.
Recepción crítica
El Imperio de la Luz recibió críticas dispares de la crítica: algunos elogiaron sus interpretaciones y su fotografía, mientras que otros criticaron su ritmo lento y su falta de enfoque. Tiene un 63% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en 206 críticas, con una calificación media de 6,6/10. El consenso de la crítica dice así: «El imperio de la luz es un drama visualmente impresionante y bien actuado que de vez en cuando divaga, pero la matizada interpretación de Olivia Colman lo mantiene a flote».
Taquilla
El Imperio de la Luz fue una decepción en taquilla, recaudando 11,4 millones de dólares frente a un presupuesto de producción de 30 millones.
Napoleón (2023)
Napoleón es una película de drama histórico de 2023 dirigida por Ridley Scott y escrita por David Scarpa. La película está protagonizada por Joaquin Phoenix en el papel de Napoleón Bonaparte, el líder militar y político francés que saltó a la fama durante la Revolución Francesa y se convirtió en Emperador de Francia de 1804 a 1815.
La película narra el ascenso de Napoleón desde oficial de artillería corso a gobernante de Francia, así como sus campañas militares y su relación con su esposa, Josefina de Beauharnais.
Recepción crítica
Napoleón recibió críticas dispares por parte de la crítica. Algunos alabaron sus interpretaciones, en particular la de Phoenix en el papel de Napoleón, mientras que otros criticaron su guión y ritmo. La película tiene un índice de aprobación del 70% en Rotten Tomatoes, basado en 124 críticas, con una calificación media de 6,7/10. El consenso de la crítica dice así: «Joaquin Phoenix ofrece una actuación imponente como Napoleón en el épico drama histórico de Ridley Scott, que, aunque desigual en ocasiones, ofrece un retrato cautivador del ascenso y caída de una figura compleja y controvertida.»
Taquilla
Napoleón recaudó 95 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 130-200 millones de dólares.
